martes, 27 de noviembre de 2018

La "maduración" de un grupo musical

No puedo evitar muchas veces tratar de descifrar cuando es que una banda alcanza el punto de maduración, y esta palabra no esta tan ligada al tema de los alimentos en este caso, ya que considero que un grupo musical puede alcanzar el punto de maduración en un álbum determinado, pero luego sacar algunos discos no tan buenos y quizás mas adelante estallan con su mejor obra.
Lo que a mi concierne, el punto de maduración de una banda es aquel en el que por vez primera todo encuadra a la perfección. Los factores a darse pueden ser: cuando han evolucionado como banda, cuando se encontró el sonido que los caracterizará o cuando sacan ese disco "sólido", "redondo" por donde se lo escuche, entre otros tantos factores.
Unos pocos casos se han dado que ese punto de maduración se observa en el álbum debut. Un claro ejemplo de esto que se me ocurre ahora fué con los Guns n' Roses, caso curioso si los hay!.


A mi entender los Guns maduraron en "Appetite for Destruction" (su álbum debut). Este disco es atemporal, suenan como una banda que hace 30 años están en funcionamiento, las composiciones son excelentes y posee ese sonido particular "gunner". Creo que esto se debió a que estuvieron andando el circuito de pubs como banda under, con shows en una seguidilla importante, y se afianzaron como banda muy rápido. El broche de oro es que encontraron al productor (Mike Clink) y sello (Geffen Records) indicados. Luego de eso vino "Gn'R Lies", que si bien no es malo, creo que le faltó un poco de enfoque, (temas de estudio, temas en vivo, covers) como que se desenvuelve sin rumbo. Pero... pasaron unos pocos años y se despacharon con su obra mas ambiciosa, los "Use your Illusion I - II". Pero para ese entonces ya habían madurado... 4 años antes.
Black Sabbath consiguió el punto exacto en su segundo disco "Paranoid", al igual que Led Zeppelin en "Led Zeppelin II",
Deep purple hizo lo propio recién en "In Rock", antes de eso eran un grupo de músicos buscando un rumbo a seguir.  AC/DC lo consiguió en "Let there be Rock".


Iron Maiden fue para el cuarto álbum, "Piece of Mind", donde los cinco músicos se encontraron prolijamente en un mismo punto, y no en "The number of the beast" como la gran mayoría piensa. "Sheer heart attack" fue para Queen lo que "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" fué para David Bowie. 

Otros casos tardíos de maduración podemos citar a The Beatles con "Rubber Soul", o Pink Floyd en "Dark side of the moon".

En cuanto al Thrash Metal, Metallica para "Master of Puppets" se entendieron a la perfección, Slayer lo hizo en "Reign in Blood" , y Megadeth pudo haber madurado en "Peace Sells" , o quizás en "Rust in peace"... no lo tengo muy en claro aún. Me inclino mas a este último.


Todo esto da para debate de largas horas.
Disco madurativo no implica que sea el que pasó en la historia como "Clásico" necesariamente. Ojo!

domingo, 25 de noviembre de 2018

domingo, 18 de noviembre de 2018

Steve Harris y su British Lion en Buenos Aires


Este Viernes pasado (16/11/2018) fuí con mi amada a ver el show de British Lion.
Ya sabía que no iba a ver una gran concurrencia de público, dado que la fecha estaba planeada para el estadio Obras, y al poco tiempo la movieron a Museum (bastante mas chico). Me encontré con no mas de 200 personas según mi calculo rudimentario, y por supuesto no pude evitar preguntarme a que carajo se debe esto.

Varios son los factores que podrían hacer que un show como el de British Lion no sea un éxito en ventas, pero aquí solo voy a referirme a mi punto de vista, que no tiene que ser el correcto ni la solución al problema.
El tema de Internet es uno de los factores claves (aclaro solo uno). Hoy en día la información esta servida para deguste de todos, el factor sorpresa se evaporó entre Youtube, Blogs, Spotify y más!
La propuesta de Steve Harris con British Lion no es Iron Maiden, y de hecho dista bastante. Este punto particularmente me enamoró, ya que si hubiese escuchado una reencarnación de la doncella hubiese sido un tanto triste para mi. Pero puede que a no todos les pase lo mismo, sumado a que antes de pagar un promedio de $1200 para ver al jefe en el escenario, se pueda chequear de que viene el álbum y las presentaciones en vivo. Y muchos pueden haber hecho eso, y evidentemente sale a flote la pregunta... vale la pena? No es Maiden, no es ese metal clásico. Y el resultado fue la poca convocatoria.
Yo fui porque el disco debut me parece muy bueno, y por supuesto también porque me pareció de entrada un momento histórico para cualquier amante de la música, ya que antaño era impensado que Mr. Harris tocara en otra agrupación que no fuera Iron Maiden!
El tema es el siguiente, la poca concurrencia no pasa aquí solo, en Argentina, sino por los videos que pude chequear en muchas presentaciones de la banda a lo largo del globo pasó lo mismo.
Bien, puede que el disco no sea el mejor de la década, pero el tema no pasa solo por ese lado.
Bruce Dickinson dejó Iron Maiden y se despachó con su disco solista Balls to Picasso (extremadamente diferente a lo que venía haciendo), vino a la Argentina. y llenó Obras! (año 1995). No se, cuando era adolescente para saber de que iba una banda en vivo tenias que conseguir algun VHS grabado como la mierda, o simplemente ir a ver arriba del escenario a la banda en cuestión! Sabado por medio ibamos a Cemento a ver a Hermética o a Horcas, quizás era mas facil y las entradas bastante mas accesibles que hoy día, pero tenías que ir a presenciar el show!, era muy dificil ver de que se trataba de otra manera! Y si te gustaba repetías una y otra vez! 
Hoy en esta generación de culos aplastados frente a las computadoras se perdió eso, y se que suena a viejo choto, y me incluyo en parte en apsar tiempo frente a la compu, y consumo Spotify también, pero aún me muevo a algún que otro recital, y sigo consumiendo cds y vinilos!!!
British Lion obtuvo poca convocatoria por varios aspectos (el disco no es la ostia, la entrada no es barata, y existe Internet)
Como balance a mi me vino genial porque lo puede ver a escasos metros y el show estuvo contundente. Se nota que el tipo disfruta lo que hace y todo el grupo dió un show como para 32000 personas!
Emoción como siempre y agradecimiento eterno a este brutal bajista por regalarme siempre imborrables momentos!


martes, 25 de septiembre de 2018

Pensamiento al pasar... y las grandes canciones olvidadas!

Varias veces me pasó que al escuchar alguna canción usada como Lado B, u otra que simplemente quedó fuera del álbum editado en aquel momento, me pregunté: "Que llevó a la banda a dejar tal o cuál tema relegado como Lado B? 
Como es el caso de Total Eclipse de Iron Maiden, que es el Lado B de Killers (1981). Tranquilamente esta canción podría haber estado en el lugar de Invaders a mi gusto!
Otro caso parecido fue You Looking at Me, Looking at You de Ozzy, que fuera grabada en versión demo a comienzos del año 1980 y totalmente olvidada para su álbum debut Blizzard of Ozz!. Podría haber ocupado el lugar de No bone movies! Y así como esos tantos otros, Mississippi Queen de W.A.S.P. y un largo etc.
Que desperdicios!! en fin. Por suerte están al alcance de la escucha, pero podrían haber ocupado un puesto mas importante en la historia de las agrupaciones! 

sábado, 15 de septiembre de 2018

Los maravillosos 70's


Los años 70's comenzaron en forma trágica con la muerte de Jimi Hendrix, el 18 de septiembre y Janis Joplin, el 4 de octubre. Dos símbolos de la generación de los 60. En lo musical, la experimentación hippie y psicodélica de los 60 dió paso a un género mucho más entreverado: el rock sinfónico y progresivo. Yes, Genesis y Pink Floyd, los exponentes mas claros, se cansaron de vender millones de discos y llenar estadios.

El rock más puro seguía dominado por The Rolling Stones y The Who, quienes se vieron favorecidos por la separación de Los Beatles.
Por otro lado, bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple fueron los puntales de lo que luego se llamó Heavy metal, un género que iba a marcar una época años después con el estallido en el Reino Unido de la N.W.O.B.H.M., en Mayo de 1979. Igualmente unos años antes ya estaban formados y actuado en diferentes pubs (algunas con discos ya consumados) bandas como Iron Maiden, Def Leppard, Saxon, Scorpions, Praying Mantis, Judas priest y un lago etcetera.

En los comienzos de los 70's hizo explosión también el Glam Rock, de la mano de T-Rex con los albums T-Rex (1970) / Electric Warrior (1971) / The Slider (1972), y lo propio hizo David Bowie y su The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, publicado en 1972. Ambos con propuestas mucho mas teatrales, centrándose así no solo en la composición sino también en la puesta en escena. Pasos que siguieron Alice Cooper y Kiss adueñándose de los mejores shows de la época.
A partir de la segunda mitad de la década, un género proveniente de los suburbios neoyorquinos irrumpe para devolverle esa cuota de rebeldía que el rock y la música de los 70 había perdido: se trata del punk, una música mucho más minimalista y rápida que la practicada hasta el momento: sus principales exponentes fueron Ramones en Estados Unidos y en Inglaterra los Sex Pistols y The Clash.

Si nos dirigimos para el lado del Jazz, el lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva revolución en el sonido de dicho género, introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusión.
La influencia de los grupos de rock que estaban experimentando con el jazz en la época (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos las distintas formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de jazz rock —que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra característica heredada del mundo del rock.
Por lo listado anteriormente y por algunas cosas mas, creo que los años 70's fueron de los mas entretenidos en el mundo de la música, con un magestuoso vibrar, llenos de ideas, de ganas, de energías... los maravillosos 70's!

jueves, 19 de julio de 2018

La foto del día

Joe Elliot / Matt Sorum / Billy Gibbons / Joe Perry / Glenn Hughes / Brian May / Nuno Bettencourt / Duff McKagan

lunes, 16 de julio de 2018

Pensamiento al pasar...

Riff - Ruedas de metal (1981)

Pappo había vuelto de Inglaterra y se trajo con el un montón de ideas. Había respirado Punk y N.W.O.B.H.M. por un tiempo y al llegar formó Riff.
Como primera medida este debut tiene un sonido pésimo, la producción y la mezcla son horribles, y el disco por si solo a duras penas se mantiene. 
Lo que lo hace especial es que para aquel entonces era un sonido mas que vanguardista en la Argentina.

Un álbum que no envejeció bien, pero que es importante en el Rock y Metal argento.
Por suerte Riff siguió, y vinieron cosas mejores.
Mi favorito : Alas del Mal 

viernes, 15 de junio de 2018

Los solistas de Kiss

No se hace dificil desglosar los albumes que los 4 miembros de Kiss editaran en solitario en 1978, fueron bastante diversos entre si, y el resultado en conjunto fué satisfactorio.
El porque de editar 4 discos solistas, que salgan con el nombre de cada uno, pero que a su vez esten dentro de la discografía de Kiss puede ser discutible. Algunos afirman que cuando la tensión entre los 4 miembros fué más y más crítica, Paul Stanley sugirió que cada uno hiciera su propio álbum solista para satisfacer sus deseos musicales. Y otra razón puede ser una pura movida de marketing (que no es extraña en Kiss), en la que aprovecharían en lanzar, el mismo día, cuatro discos!
Fuese cual fuese la idea, tanto Ace como Peter tomaron esto como la oportunidad perfecta de salir del segundo plano en el que Gene y Paul los pusiesen desde el comienzo, una oportunidad de demostrar lo que podrían hacer si les dejaran aportar más, o incluso un camino nuevo para lucir influencias que no encajaban dentro de KISS.
A Ace la oportunidad le salió perfecta, no asi a Peter. 

Cuando los discos fueron publicados resultó que el de Ace obtuvo las mejores críticas, mejores ventas (disco de platino) y mayor posición en los charts (puesto #13). Incluso fué el mas aclamado entre los fanáticos acerrimos.
Las cualidades de Ace para la guitarra no me parecen que sean de otro mundo, y no creo incluso que sea tan buen guitarrista como muchos dicen. Mas aún estos últimos años. No quiero que esto se malinterprete, compositivamente el tipo es un crack, y saca de la galera canciones buenísimas, ahora la ejecución de su instrumento es otra cosa.
Dentro de este álbum encontramos canciones que van del hard rock hasta las cercanías del heavy metal. Sin puntos flojos. Un disco que no cae en ningun momento y es el mas roquero de los 4. 
Como dato curioso, en la batería contrató a Anton Fig quien luego reemplazaría a Peter Criss en Dynasty y Unmasked. y acompañaría a Ace en otros albumes solistas. El disco posee un cover "New York Groove", que fuera primeramente grabado por la banda inglesa Hello en 1975.

El disco de Simmons hace gala de toda la megalomanía que siempre se encargó de mostrar. Rodeándose de varios músicos invitados como Rick Nielsen de Cheap Trick, Joe Perry de Aerosmith, Cher, Bob Seger y Donna Summer, y hasta regrabó la canción "See You In Your Dreams" porque no estaba conforme con la versión que terminó saliendo en el Rock and Roll Over de 1976.
El bajista juntó varios temas desechados de épocas anteriores como "Burning up with fever", "True confessions", "Man of a 1000 faces (descartado de Rock & roll over) y "Tunnel of love" (descartado de Love gun), y versionó el tema de Disney "When you wish upon a star".
Creo que este solista esta ahí pegadito peleando el primer puesto de mis favoritos con el de Frehley.
La efectividad de un disco solista esta en hacer cosas que no se hacen habitualmente dentro de la banda, y este es sin duda el que mejor ha cumplido con eso! y el contenido musical refleja en un 100% la personalidad de Gene sin ninguna duda.

Ahora con el de Paul... bueno... digamos que Paul se despachó con un muy buen album de Kiss.
No se si esto fué adrede para que quede al descubierto que es él quien lidera la parte compositiva en la banda, o simplemente se debió a la falta de ideas. O quizás es un artista que no necesita de un disco solista para dar rienda suelta a su creatividad, ya que su personalidad entera es Kiss. Vaya uno a saber!
La cuestión es que contamos con todas las canciones (9 en total) originales y de su autoría, lo cual no deja de ser un punto importante a favor. Power Pop pegadizo y todos los temas podrían haber sido hits en cualquier disco de Kiss. “It’s Alright” mi gran favorito de la placa. Un tema que me levanta el ánimo sobremanera!
Contó con Bob Kulick en guitarras, Steve Buslowe (Meat Loaf y otros) en bajo en dos temas, Carmine Appice (Blue Murder, Cactus, King Kobra, Rod Stewart y tantos otros) en batería en un tema, Craig Krampf (Melissa Etheridge, Alice Cooper y otros) en batería en dos temas, y algunos sesionistas mas.
Una placa que no sorprende en lo mas mínimo pero cumple.

Peter no tuvo nada de suerte con su album, que fué vapuleado desde el comienzo, catalogándolo de flojo, sin sentido.
Creo que su mala suerte entre los fanáticos fué porque no es un album de Rock, pero es que tampoco es un album de Jazz, de R&B, ni de musica Country. Tiene de todo un poco y cayó básicamente en la categoría de Easy Listening (?).
El album no tienen nada de malo. Hace años que no lo escuchaba y mi perspectiva hacia él cambió por completo cuando volví a escucharlo. Es un disco bastante ecléctico, de los 4 solistas es el mas "adulto" por asi decirlo.
Fué producido por Vini Poncia, el mismo que produjera luego Dynasty (1979) y Unmasked (1980), y contuvo un cover, "Tossin' and Turnin'" de Bobby Lewis.
La mayor parte de las canciones fueron escritas en 1971 para la antigua banda de Criss llamada Lips, y se nota que el músico disfruta mucho de interpretar este estilo de canciones.

Resulta un poco complicado hacer un ranking de posiciones con los 4 solistas, pero el mío sería:
01-Ace
02-Gene
03-Peter
04-Paul

Esto basado en una mezcla de originalidad y buenas canciones. 

sábado, 9 de junio de 2018

V1 - Armageddon: End of the Beginning (2017)



En entradas anteriores me había referido al "bum!" de ex miembros de Iron Maiden que han resurgido en estos últimos 3 o 4 años, todos mediante Facebook, en donde supimos que fué o era de sus vidas actuales.
Tan fino se hiló en estos grupetes que nos enteramos que el efímero tecladista de Iron Maiden (1977) Tony Moore ha seguido siempre en el mundo de la música con diversas bandas, así como productor y presentador de radio. Terry Wapram (guitarrista de Maiden 1977) mantiene su banda Buffalo Fish desde el año 2013, así como también Doug Sampson (Baterista de Maiden 1978/1979) activo con su proyecto Airforce.
También gracias a esos grupos de Facebook muchos de estos Ex-miembros se animaron a reflotar sus carreras musicales estancadas, lease Thunderstick quien fuera baterista de la Doncella (1977/1978) que luego de un par de décadas sale al escenario nuevamente en este 2018, y ha editado el álbum Something Wicked This Way Comes el año pasado.
Y otro de los que se animó a subir al escenario luego de estar completamente retirado fue Dennis Wilcock (Vocalista Iron Maiden 1976/1977), quién editó un demo de su antiguo grupo V1, grabado en 1978 pero que nunca había visto la luz hasta 2015 en forma de Split con su otro antiguo proyecto Gibraltar. El álbum en cuestión fue titulado "The Spaceward Super Sessions".
Luego de eso, en Abril del año 2017 editan Armageddon: End of the Beginning, su largamente esperado álbum debut, y comienzan a realizar actuaciones para escaso público en diferentes pubs londinenses.

La banda la conforman al momento de la edición del album:
Terry Wapram - Guitars
Dennis Wilcock - Vocals
Dwight Wharton - Bass, Keyboards
Gareth Dylan Smith - Drums, Percussion

El tema aquí es el siguiente, si bien V1 posee en sus filas 2 ex-miembros de Iron Maiden (Wilcock / Wapram), el debut no llego a venderse en forma masiva, no fué un éxito multitudinario en ventas, y ni siquiera atrajo a una enorme cantidad de fanáticos de la doncella. Aquellos que se acercan a ver las esporádicas actuaciones del grupo no son mas que algunos de los que estuvieron participando en las charlas de los grupos de Facebook, mas algún que otro asistente que viva en las inmediaciones del lugar del show en cuestión. Esta es la verdad.
Yo participé en los grupos de la red social en donde se subía información y presencié el preciso momento en el que se dió con Dennis Wilcock y se le instó a unirse al grupo con su cuenta de Facebook. Aún lo tengo entre mis amistades virtuales, y a decir verdad... si viviera en Londres seguramente haya ido mas de una vez a ver alguno de los shows de su banda, por el solo hecho de verlo en persona y disfrutar del concierto.
En cuanto al álbum, la primera mitad del mismo fluye mas que bien con muchas reminiscencias al clásico sonido de la N.W.O.B.H.M. y algunos toques bluseros, ahora la otra mitad se me hace media aburrida, excepto por el tema que cierra la placa, "Armageddon".
En conjunto el disco me gustó mucho, musicalmente los temas están muy bien compuestos y técnicamente bien interpretados. Son canciones versátiles que te mantienen a la escucha.
Los músicos no sobresalen pero cumplen, y la voz de Dennis no esta mal, pero se nota que ha estado fuera de forma durante mucho tiempo. Hay un par de desafinaciones que realmente no hubiese costado mucho regrabarlas, y un par de temas en donde notablemente queda a la escucha que hace bastante esfuerzo para alcanzar los tonos adecuados.
Es un disco al que le falta, pero que visto del lado que la música les debía la edición de un álbum a V1 durante tantos años, esta bien. Medalla al esfuerzo por grabar algo luego de años de "nada" para Wilcock.

Leí por ahí que era de felicitar el hecho del esfuerzo por mantener el espíritu de la era dorada del metal vivo. No puedo estar mas en desacuerdo con eso. Aquí no es el caso, yo lo veo mas como una oportunidad que aprovecharon para editar un álbum que se debían, nada mas.
La edición de Armageddon: End of the Beginning fué producto de una inercia de situaciones que se fueron dando casi casi sin querer. Y esta bien. Pero de ahí a decir que aquí hay un esfuerzo por mantener el metal vivo hay kilómetros de distancia.

sábado, 14 de abril de 2018

Pensamiento al pasar ...

Tal para cual, ambos. Dos que se tenían que juntar si o si!
Bunbury me parece un ser brillante, que si no hubiese nacido en España hoy sería el nuevo Bob Dylan, tiene todo para serlo! Cada disco es una caja de sorpresas para descubrir, siempre con su estilo único. Personalmente creo que llego el momento de cambiar de banda. Lo que hizo hasta ahora con Los santos inocentes fue maravilloso, y su mejor época en la linea de tiempo discográfica, pero siento que últimamente se esta repitiendo... y según mi parecer es por L.S.I., y casi seguro estoy de que rodearse de nuevos músicos traería una gran inyección de frescura en su música, pero claro... solo es mi parecer. Igual a muerte con Bunbury! Siempre.
Y Calamaro, no es mi artista super favorito, pero musicalmente... compositivamente creo que es genial! Y se va poniendo cada vez mejor con el paso de su carrera!
Hay personas que nacen en distintas partes del planeta, pero que gracias a las vueltas de la vida se cruzan. Y ahí... cuando los planetas se alinean, se produce la magia!

sábado, 7 de abril de 2018

Strength Through Joy – The Force Of Truth And Lies (1995)


De casualidad dí con esta banda, de cuya existencia era yo totalmente desconocedor. Creo si no me equivoco que me aparecieron entre las sugerencias de artistas similares que linkea Spotify, mientras escuchaba a mi buen amigo Art Abscon(s), de quién hablaré en futuras entradas!.

Este proyecto, Strength Through Joy pueden darse la idea con solo ver la tapa de que se trata de un Neo Folk muy ligado con la cultura Nazi. De estas banditas salieron muchas a finales de  los 90 y comienzos de siglo XXI.
Comenzando con el nombre... Strength Through Joy o "Fuerza a través de la alegría", no fué otra cosa que una organización política nazi que existió entre 1933 y 1945 dedicada a la tarea de estructurar, vigilar y uniformar el tiempo libre de la población alemana en la Alemania nazi.
A hora a lo que aquí me refiero no es a los ideales de este proyecto, ni tampoco a sus letras, sino a la música (que es a lo primero que siempre voy yo).
La primer escucha me pareció una banda mas del montón, pero luego fuí apreciando un poco mas lo que estaba escuchando. La voz es bastante particular, y por momentos como que va por carriles distintos a la música, pero quizás eso lo hace bonito.
El proyecto parece que se fundó en Adelaide, Australia por el bajista Timothy Jenn y el vocalista Richard Leviathan.. Luego de un Demo dieron con Douglas Pearce (Lider de Death in June) al cuál le enviaron una cinta, A Mr Douglas parece que le gustó lo que escuchó y les produjo este, su primer larga duración, el donde el mismo Douglas canta y toca la guitarra acústica en el track "A Grave For Burning Wings"
Luego de este album editaron otro mas y al tiempo se les fué todo a la mierda y se separaron. Y colorin colorado este cuento Folk se ha terminado.

domingo, 1 de abril de 2018

Melancholieia - Welcoming The Loss Of Innocence (The Year Of 777)


En alguna entrada anterior hable de mi incursión en Myspace, cuando era una red social que valía la pena (Incluso hoy sigo pensando que el primer diseño de Myspace era fabuloso, y ahora mismo le pasaría el trapo a Facebook, Instagran o Twitter) pero a no se que genio se le ocurrió en el punto de su mayor popularidad, cambiar radicalmente aquel diseño y volverlo prácticamente incomprensible.
En lo poco que duré ahi por suerte pude conocer maravillosos artistas del under. Uno de ellos fue este tipo con su proyecto Melancholieia, y el album del año 2008 Welcoming The Loss Of Innocence.
Un claro ejemplo de esos miles de artistas que lamentablemente son ignorados, pero que poseen un talento que envidiarían muchos artistas consagrados hoy en dia, y que dado esa radical ignorancia por parte del publico o de los productores, desaparecen casi sin dejar rastro alguno... lamentablemente.
Poca y casi ninguna info existe de Melancholieia, y estaba a punto de subir el único tema que poseo (que en su momento pude descargar del Myspace con una aplicación media clandestina que había), pero antes de hacerlo lo busque en Spotify y voilá!!! Esta el disco completo!. Así que lo comparto aca para el que quiera pegarle una oída, créanme vale la pena. El tema "Living among the stars" fué el ringtone de mi celular por casi 1 año.




Pequeño anexo de lo que encontré recién por la web:
Founded by an artist named 2017, Melancholieia was created from the dissatisfaction of the state of the world, the dissatisfaction of the current state of music, and own personal descent. In hopes of one day 'changing the world' or altering music history, Melancholieia has begun performing shows throughout California, revealing their music to as many people as they can, and constantly challenging themselves to accomplish anything possible or 'impossible'. 

Melancholieia released their debut album/EP 'Delujourie' in 2003, and have sold over 4000 copies since its release without any assistance from Record Labels, Distribution, Advertisement, Media, or Management. They have also opened for many National Acts such as Berlin, Godhead, Loser (Featuring John 5 of Marilyn Manson/Rob Zombie), Bow Wow Wow (Featuring Adrian Young of No Doubt), The Start (Featuring Adrian Young of No Doubt), and The Dreaming (Featuring Christopher Hall of Stabbing Westward). Melancholieia is slowly preparing themselves to 'Alter The World' with their determination to create music and art that will hopefully be unlike anything people have ever heard before, present 'new philosophies and ideas' to the world, and most importantly hope to really inspire people during their worst and most valuable times in life. 

Melancholieia is not just a band or just another form of entertainment. They are a state of mind. They are a reflection of the world, our surroundings, a reflection of our 'worst enemies', a reflection of our biggest fears, and a reflection of ourselves. A reflection of you and I, and we have only just begun.

viernes, 23 de marzo de 2018

De Russolo, futurismo y ruido eterno


Desde hace varios años me transformé en amante del lado mas experimental de la música. No recuerdo que fué lo primero que me llamó la atención, ni artista, ni obra. Lo cierto es que cada vez que lo escuchaba, mas me fascinaba. Desde el avant-garde mas minimalista, pasando por el amplio catálogo de library music, sumergiéndome en el Dark ambient bien espeso hasta el noise mas extremo.
Todo lo encuentro interesante. John Cage, Big city orchestra, Atrax Morgue, mis grandes favoritos...

El ruido, aunque acompañó desde siempre a la música, tuvo que ser en primera medida conquistado por ella. Fue una conquista fulminante que sucedió hace mas de cien años, cuando el futurista Luigi Russolo firmó L'arte dei rumori (El arte de los ruidos), manifiesto en el que se proponía reemplazar los sonidos por los ruidos. Todo comenzó allí.

Luigi (1884-1947) fue un pintor futurista, compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913).
Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus "conciertos de ruidos" de 1913-1914. También es uno de los primeros filósofos de la música electrónica.


Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.

Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en la época.
Estos Intonarumori eran generadores de ruido acústico que permitieron crear y controlar dinámicas y alturas en diferentes tipos de ruidos. Una panoplia de varios de estos dispositivos actuando conjuntamente fue lo que se denominó la «orquesta futurista».

La invención de los intonarumori fue el resultado natural de las teorías musicales de Russolo expuestas ya en su manifiesto de 1913 L'arte dei rumori (El arte del ruido) en el que presentó sus ideas sobre el uso de los ruidos en la música y manifestaba su objetivo de controlar y hacer música con sonidos de tranvías, motores de combustión interna o el clamor de las multitudes vitoreando.

Antonio Russolo, otro compositor italiano futurista y hermano de Luigi, produjo una grabacion de dos trabajos con el tonarumori original. La cinta, grabada en 1921 incluye trabajos denominados Corale and Serenata, que combina una orquesta convencional contrapuesta con el ruido de maquinaria. Estos son los únicos registros grabados que sobrevivieron del sonido de Luigi.

Russolo y Filippo Tommaso Marinetti dieron el primer concierto de música futurista, completo con intonarumori, en Abril de 1914, causando practicamente un motin. 
El programa sonoro constaba de cuatro redes de ruido con los siguientes títulos:
*Awakening of a City
*Meeting of cars and airplanes
*Dining on the terrace of the Casino
*Skirmish in the oasis.

Cabe destacar que lamentablemente la mayoría de los instrumentos de Russolo fueron destruidos en la segunda guerra mundial, y otros tantos simplemente se han perdido, por lo que quedan solo réplicas de los mismos.

Pues bien, con Luigi se descubre como el ruido puede formar parte de la música, luego de allí la historia continuó escribiendose practicamente sola. Einstürzende Neubauten, Emil Beaulieau, el "Metal Machine Music" de Lou Reed (quizás lo más conocido), Mr. Bungle, John Cage, Nine Inch Nails y Swans. Despues si nos vamos un poco mas al carajo, puedo nombrar Muslimgauze, Conrad Schnitzler, Merzbow, Big city Orchestra, The Gerogerigegege, Atrax Morgue, KK Null y mas.
Pero para los amantes del género es importante saber de donde viene todo.



miércoles, 14 de marzo de 2018

Kaija Saariaho - Verblendungen, Jardin Secret I, Laconisme De L'Aile, ...Sah Den Vögeln (1985)


Esto parecería ser un álbum en el que se conglomeran 4 obras compuestas en momentos diferentes por Kaija Saariaho, obras tempranas de esta compositora finlandesa. Música disonante, opresiva en cierta forma, experimentalmente dark y sumamente atmosférica.

Kaija estudió composición en Helsinki, Freiburg y París, donde ha vivido desde 1982. Sus estudios en el IRCAM tuvieron una gran influencia en su música y sus texturas, característicamente lujosas y misteriosas, son creadas a través de una mezcla de música en directo y producciones electrónicas. Aunque la mayoría de sus composiciones son obras de cámara, desde mediados de los noventa ha evolucionado hacia unas obras de mayor fuerza y estructuras más amplias, tales como óperas, Salzburg Festival (que se estrenó en los Estados Unidos en 2002), y Oltra mar, solicitada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

Es uno de los músicos más solicitados para componer ópera. Su primer ópera L'amour de loin (El amor de lejos), estrenada en 2000 el Festival de Salzburgo fue un gran éxito que permitió ser representada en otros escenarios de todo el mundo. Su segunda ópera Adriana Mater fue encargada por la Opera Nacional de París para 2006 y en 2010 estrenó su tercera ópera Émilie en Lyon, basada en la vida de la matemática Émilie du Châtelet. En las tres piezas, el libreto fue escrito por Amin Maalouf.

Su trabajo en la década de los ochenta y noventa está remarcado por un énfasis en el timbre y en el uso de la música electrónica nacida de instrumentos tradicionales, esencialmente de la cultura nórdica y oriental. Nymphéa (Jardín secreto III) (1987), por ejemplo es un cuarteto de cuerda con música electrónica. A partir de finales de los noventa fue cambiando hacia posiciones más melódicas.

De lo que hay en este album temenos el track "Verblendungen" compuesto entre 1982 y 1984 para orquesta, "Jardin Secret I" de 1985 compuesto para cinta magnética, "Laconisme de l'Aile" musica solista para flauta de 1982 y finalmente "...Sah den Vögeln" la mas antigua de las cuatro que data de 1981, para soprano, flauta, oboe, violonchelo, piano preparado y electrónica en vivo.

Me parece muy interesante la compilación toda.

domingo, 11 de marzo de 2018

Los 4 de Void of Coil (hasta ahora)



Void of coil es un proyecto que comencé el primer día del año 2008 casi diría por casualidad. Por ese entonces me había abierto una cuenta de Myspace (si, cuando Myspace era "cool") y comencé a investigar y a escuchar bandas o proyectos Under de música ambient y algo de Noise. 
Pasado el mes decidí comenzar a experimentar con mis propios sonidos y asi fué como mediante programas web recreé lo que tenía dentro de mi cabeza, el lado mas oscuro de mis pensamientos.
Bauticé al proyecto "Void of Coil" y con mucho esfuerzo me puse manos a la obra y edité ese mismo año el álbum "Deadly winter snow", en formato físico de pocas copias, que fuí distribuyendo por varias partes del mundo como Mexico, Alemania, U.S.A., Canada, Australia, U.K., Italia y otros tantos. Este debut lo puse también para libre descarga.
Para mi sorpresa tuvo mucha aceptación dentro del ambiente under experimental, y asi comenzaron un par de entrevistas para alguna que otra revista y sitio web especializado.
Con todas las ganas puestas en ello a lo largo de los próximos dos años edite la continuación de ese álbum debut que se transformó en una trilogía de albumes conceptuales ("Deadly winter snow II" y "Deadly winter snow III), para finalmente terminar esa primer etapa de Void of Coil con "Towards nothingness" en tributo a un querido amigo holandés llamado Ivo Wagner quien lamentablemente cometió suicidio. 
Las ganas fueron disminuyendo y dado que me dedique de lleno a otro proyecto paralelo que en algún momento detallaré, Void of Coil quedó a un costado, pero lo cierto es que nunca finalizó, y en algún momento volverá ese lado oscuro que poseo en formato de música Dark Ambient.
Agradecido eternamente a este, mi proyecto, por permitirme conocer gente maravillosa a lo largo del globo, que al igual que yo, soño y sueña con darle forma a un propio estilo musical.

Mientras tanto espero disfruten de estos, mis 4 discos de Void of Coil hasta el momento.

   
las descargas a continuación...

Void of Coil - Deadly winter snow (2008)

Void of Coil - Deadly winter snow II (2010)

Void of Coil - Deadly winter snow III (2010)

Void of Coil - Towards nothingness (2010)

Dejo aquí el link de la primer entrevista que me hizo Tobias Fischer para su sitio Tokafi

jueves, 15 de febrero de 2018

Wake Up You! The Rise and Fall of Nigerian Rock (1972-1977)


Estos dos álbumes son una joya que vale la pena escuchar. Por su diversidad, o para esos curiosos que deseen saber como sonaba el Rock (a veces psicodélico y a veces con un dejo de Funk) en Nigeria en la década del 70.

Los discos cubren específicamente un período efímero pero influyente del rock nigeriano en la era posterior a la Guerra Civil del país (después de 1970).
Durante los años 2006 y 2012 aproximadamente, se vivió una especie de fiebre por resurgir antiguos discos de música del Africa occidental, y la gran mayoría de ellos se vieron compartidos en formato digital a lo largo de toda Internet.
El sello Now-Again se tomó buena parte de ese lapso de tiempo para autorizar, acreditar y lanzar correctamente lo que ahora es Wake Up You !: The Rise and Fall of Nigerian Rock, 1972-1977.

En 34 pistas divididas en dos volúmenes y dos libros que lo acompañan, la compilación documenta algunas de las tendencias musicales, socioeconómicas y políticas que dieron forma al Afrorock nigeriano.

La mayoría de ambos Vol. 1 y Vol. 2 presentan música desde la altura del rock nigeriano a principios de los 70, antes de que la escena comenzara a declinar.
La década vio a Nigeria experimentar un auge económico de la posguerra impulsado por el petróleo, lo que dio paso a una renovada sensación de optimismo que resultó ser de gran ayuda para el crecimiento de la industria musical del país. Sin embargo, cuando el gobierno trató de reconstruir la nación, los traumas sobrantes de tiempos de guerra y las tensiones no resueltas se barrieron bajo la alfombra. Así que es muy posible que la sensación de incomodidad y melancolía que nunca se había tratado, realmente terminara a flor de piel. Particularmente en el este, donde habían soportado el peso de la guerra como la ex República de Biafra. La compilación refleja esa realidad, presentando principalmente bandas de rock orientales con tonos Funk psicodélicos a lo James Brown.

A pesar de las diferencias regionales, existía un deseo colectivo, especialmente entre los jóvenes, de tener algún tipo de música contemporánea que pudieran reclamar como propia y que fuera "claramente africana". Esta fue una de las razones por las que la música soul de James Brown, y los ritmos funky que encajaban bien con las tradiciones musicales prehispánicas de África Occidental, habían estallado en popularidad durante la era de independencia de la región.
Este deseo de una música autóctona también fue lo que ayudó a hacer que el Afrobeat de Fela Kuti fuera tan popular, lo que pronto eclipsaría al Afrorock, a pesar de que inicialmente los dos no eran tan diferentes.

Quizás quien ejemplifica más claramente la amalgama del Afrorock con la política de ese tiempo, es la agrupación Action 13. En la segunda parte, su canción "Set Me Free" podría interpretarse fácilmente como una protesta contra la relación carcelaria de la banda con sus entonces mecenas, la Brigada 13 del ejército nigeriano.
Muchas brigadas de la época usaban bandas para entretener a sus soldados, elevar la moral y tranquilizar a los ciudadanos a través de la música. Inicialmente, su mecenazgo fue útil para dar vida a varios músicos orientales. Pero Action 13, al igual que muchas otras bandas con números de brigada fijados a sus nombres, finalmente se frustró, y trataron de liberarse de los militares para hacerse con un nombre independiente.
Estas presiones externas, así como las peleas de los sellos discográficos para fichar artistas con diversos grados de éxito, a menudo aumentaron las inestabilidades internas de las bandas también. Hubo un montón de ida y vuelta entre agrupaciones.

En resumen, el Volumen 1 es generalmente más exuberante y brillante, mientras que la segunda parte es más melancólica, reflejando algunas de las realidades más oscuras de la época.

Este compilado de varios artistas hace un trabajo minucioso al transmitir la angustia y la mutabilidad del periodo de posguerra de Nigeria. Esta era la música que ayudaba a las personas, especialmente a los jóvenes, a clasificar sus propias identidades tras el conflicto bélico, incluso para definir lo que no eran.
DESCARGAS
VOL 1   -   VOL 2


martes, 13 de febrero de 2018

Gilmour y Escobar

Como un incurable buscador que soy en materia de música, dí con un concierto que David Gilmour ofreció en Colombia, mas precisamente en la ciudad de Cali, el 4 de Diciembre de 1992.

"Yo traje a David Gilmour acá una vez" -cuenta hoy con nostalgia el músico bogotano Chucho Merchán- "y todos estos 'manes' me decían 'no, usted está loco, cómo va a traer a Gilmour', pero él sí es bien bacán, es un ángel y me dijo 'Chucho, yo voy con usted', a Cali..."
Se refiere al concierto que ocurrió el 4 de diciembre de 1992 en la capital valluna, al que también asistieron Roger Daltrey, vocalista de la banda británica The Who, y Phil Manzanera, el guitarrista de Roxy Music y productor que sí tenía algunas cercanías a Colombia porque creció en la ciudad de Cartagena.
"Íbamos a venir a Bogotá pero querían darle un poco de sentido ecológico a Cali", cuenta Merchán. "No sé por qué resultaron haciéndolo allá, igual lo traje y me fue muy mal. Esa fue la única vez así que esas canciones de Pink Floyd se oyeron así aquí".

Oportunidad única

La tristeza de Merchán se debe a que ese concierto fue una de las experiencias más difíciles que vivieron los dos músicos en su carrera, porque todo lo que podía salir mal, salió mal: Un sonido con innumerables fallas se sumó a un público que no apreció el espectáculo y a una serie de incongruencias en las medidas de seguridad para proteger a los artistas.
Lo más insólito es que David Gilmour aceptó venir gratis a Colombia: "Que me hubiera ido tan mal, me hubieran tratado tan mal y yo terminé pagando todos los hoteles de las 22 personas y en Cali nos amenazaron 'la mafia' que porque les íbamos a dañar la grama, ya que al día siguiente había un partido del América de Cali (...) eso hubo metrallas y golpes, fue horrible", cuenta el veterano artista.
En efecto, el 5 de diciembre de 1992, el equipo escarlata jugaba un vibrante partido contra un equipo visitante.

"Para Gilmour que yo me lo había traído con esfuerzo porque había pelea entre el mánager y yo, porque él decía 'Chucho, cómo se le ocurre llevarse a Gilmour en esta época en que Colombia está en esa situación tan horrible' porque Pablo Escobar estaba pagando para matar policías", recuerda Chucho Merchán.

"Él (el manager) me mostró la primera página del periódico... 'Usted sabe cuánto vale la cabeza de este man' o que lo secuestren o le pase algo, decía el 'man', asustado, pero Gilmour no decía una palabra, hasta que al final le dijo al mánager "Chucho es mi amigo, y yo la prometí a él que iba, es una vaina ecológica, le dije que iba y voy a ir'. Finalmente así me lo traje".

Uno de sus propósitos, cuenta Merchán, era mostrarle los parques nacionales y que "no todos somos traquetos", cosa que no logró debido a que las restricciones policiales eran, según él, muy rigurosas.
"Yo venía con un sueño, el man venía gratis, y qué va, todo el tiro me salió por la culata. El día que se fue no nos querían dejar salir y pusieron policía y perros en el Hotel Hilton, y entonces Dave me decía "chuuucho, qué pasó" -recuerda con tristeza el bajista- "y el man salió asustadísimo. Y en algún momento logró salirse, y fue y compró un tiquete y se subió a un avión él solito, porque vio que la situación estaba fea".

Sin malas energías

Pese a la absurda experiencia, Chucho Merchán recuerda que los posibles problemas que se hubiesen engendrado en esa amistad se disiparon con el tiempo:
"Un día me lo encontré (a Gilmour) en Londres, yo le escribí muchos e-mails pidiéndole excusas, y un día me vio en la calle, paró su carro, se bajó y me dio un super abrazo, y luego me dijo "Chucho, entre usted y yo no ha pasado nada... listo, si, fuimos a Colombia, dimos un concierto y nos fue como el culo! , listo, ya, no llore más" pero yo le decía que no era tan fácil.
Dejo aca una curiosa versión del clásico Floydiano Comfortably Numb donde Gilmour canta completamente solo. Dado los miles de problemas técnicos que hubo esa noche.

viernes, 9 de febrero de 2018

Plus - Melancólica muchacha (1978)


Lo compré hace años en una cadena de disquerías muy grande de Argentina, (que hoy en día sigue existiendo pero solo vende electrodomésticos), y estaba en la batéa de ofertas por solo centavos.
Sin saber de que se trtaba me lo llevé a casa solo porque cantaba Saul Blanch, que fué el antiguo cantante de Rata Blanca.
Grata fué la sorpresa a descubrir uno de los mejores albumes de Rock de  la Argentina para mi criterio, eran los Zeppelin argentos!
Este es su segundo trabajo discográfico y colabora en coros nada menos que Celeste Carballo. Re-edición con 2 Bonus tracks, uno de los cuales en un cover de Bob Seger, "Against the wind" pero cantado en castellano.

El cuarteto surgió en un momento convulso en la Argentina, poco antes del golpe de estado, por el cual el país caería en manos de la dictadura, y casi no había propuestas locales dentro de su estilo. La aparición de su disco debut No Pisar el Infinito, con el tema puntero "Noches de Rock and Roll", en la línea de Led Zeppelin, Deep Purple y otros grandes grupos internacionales de la época, representó una alternativa rockera en una escena que abundaba2 en grupos de fusión (jazz rock, progresivo, híbridos de tango y rock, etc) y nostalgia hippie, y se encontraba deprimida por la censura y el exilio de algunos de sus principales representantes. En aquel momento, salvo El Reloj o Vox Dei, prácticamente no había otra banda semejante en actividad a nivel local.
Gracias al boca en boca y las exitosas presentaciones en vivo, lograron un contrato con la RCA para el segundo disco, que se tituló simplemente Plus pero fue rebautizado como Melancólica Muchacha por los fans a causa de la canción de once minutos así llamada que contenía. Participaron como invitados en la grabación Celeste Carballo en coros y el violinista Fernando Suárez Paz, del quinteto de Astor Piazzolla.

Sin embargo, este segundo intento no resultó tan efectivo o rockero, y el suceso de la banda decayó. Realizaron una sonada gira por Sudamérica que tuvo su cenit en Colombia, pero para cuando tuvieron a tiro un nuevo contrato discográfico con el sello Tonodisc, para el álbum Escuela de Rock 'n' Roll, de 1981, las diferencias internas resultaron insostenibles y el guitarrista Julio Sáez fue reemplazado, y emigró para encarar otros proyectos. La banda no tardó en disolverse, hacia 1982.

Sáez, el bajista Hugo Racca y el baterista Cacho D'arias se integraron más tarde al efímero conjunto Dr. Silva del tenista Guillermo Vilas, que admiraba el sonido de Plus. Aunque, de todos los integrantes, el que realmente obtuvo posterior notoriedad fue Saúl Blanch, que se convirtió en el cantante con el que Rata Blanca grabó su primer disco homónimo, de 1988.

Hugo Racca falleció en 1998, ​y Cacho D'Arías en 2016 lamentablemente.


Cacho D'Arías - batería
Hugo Racca - bajo, coros
Julio Sáez - guitarra, coros
Saúl Blanch - voz

(*)

La foto del día

1968. BLACK EAGLES con Lynott y Downey a la derecha de la foto.

lunes, 5 de febrero de 2018

The Red Army Choir - The Best Of


Hace 1 mes atrás estuve de viaje de placer por Europa, recorrí Lisboa, Barcelona, Moscú, San Petersburgo y Estocolmo. De todas las ciudades la que más me gustó fué Estocolmo, pero realmente la que me sorprendió gratamente fué Moscú. Diría que esta en mi Top 5 de lugares visitados.
Que los rusos están locos no es novedad, pero la organización, la limpieza, la seguridad y por sobre todo la vista que permite ser cautivada por el espectador es monumentalmente atípica por lo menos para lo que yo conocía anteriormente.
La visité en Invierno, por mas que el frío se sienta y mucho, estoy convencido de que es la estación ideal para ir allá. En Verano Moscú no tendría gracia. Lo gris de la ciudad cautiva, y mucho!
Moscú se ganó un lugar en mi corazón.

Yendo al tema que mas interesa, El grupo vocal Red Army Choir atrajo atención internacional cuando estuvieron presentes en la Exhibición Universal de Paris en 1937.
Mucho del repertorio del grupo incluye canciones del folklore ruso.
La música aquí expuesta es sumamente emotiva, sobrepasando la excelencia y le hace poner la piel de gallina a uno!.
La performance  es apropiada para esta clase de temática.
Espero sepan disfrutar de este momento vibrante!

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viernes, 2 de febrero de 2018

The Soundhouse tapes y un tal Paul Cairns


Hoy me levanté con ganas de escribir sobre Iron Maiden. Quizás porque es mi banda favorita, muy favorita. 
Desde que la comencé a escuchar me transmitió cosas que ninguna otra agrupación me logró transmitir. Los empecé a escuchar por el año 1989, y a partir de ahi quedé fascinado hasta hoy en día. Nunca traté de darle muchas vueltas al porqué de dicha fascinación, obviamente primero esta la música, (lo más importante), pero luego me llamó la atención la prolijidad con la que llevaron siempre su carrera, una prolijidad que no he visto en ninguna otra banda, y no voy a ponerme a explicar lo que la palabra "prolijidad" referida a una agrupación musical puede abarcar. Que cada cual saque sus conclusiones.

Cart & Horses
Iron Maiden se formó en las navidades de 1975 por Steve Harris luego de dejar el grupo Smiler. Esa no había sido la primera banda de Steve, (ni siquiera la había formado el). La historia comienza unos años antes cuando se forma un grupo conformado por el propio Steve (Bajo),Bob Verscoyle (voz), Dave Smith (guitarra) y Paul Sears (Batería) inicialmente llamado Influence y luego Gypsy's Kiss. He hablado sobre ello en este post.

Los muchachos tocaron durante un corto tiempo en el Pub Cart and Horses ubicado en Maryland Point en Stratford y en el Bridgehouse en Canning Town para luego separarse, y es ahi donde Steve audiciona para Smiler, en Febrero de 1974. En Smiler se encontraban entre otros Dennis Wilcock y Doug Sampson, quienes luego se verían nuevamente las caras pero como miembro de Iron Maiden.


Iron Maiden debuta el 1º de Mayo de 1976 en la iglesia St. Nicks Hall en Poplar y luego de ahi serían habitués en el mismo Pub donde debutaron con Gypsy's Kiss, el Cart and Horses Pub en Stratford.

Desde los comienzos la Doncella sufrió múltiples cambios de formaciones:
Paul Day – Voz 1975–1976
Dave Sullivan – Guitarra 1975–1976
Terry Rance – Guitarra 1975–1976
Ron Matthews – Batería 1975–1977
Dennis Wilcock – Voz 1976–1978
Bob Sawyer – Guitarra 1977
Terry Wapram – Guitarra 1977–1978
Thunderstick – Batería 1977
Tony Moore – Teclados 1977
Doug Sampson – Batería 1977–1979
Paul Cairns – Guitarra 1978–1979(?)
Paul Todd – Guitarra 1979
Tony Parsons – Guitarra 1979

Pero en lo que quiero concentrarme es mas que nada en el E.P. The Soundhouse Tapes.

*-THE SOUNDHOUSE TAPES (1979)
El primer registro oficial grabado es el EP "The Soundhouse Tapes", editado el 9 de Noviembre de 1979 y grabado el 31 de Diciembre de 1978 en los estudios Spaceward en Cambridge y contiene tres canciones: "Prowler", "Invasion" y "Iron Maiden". También se grabo "Strange world" pero la banda no quedó conforme con el sonido, por lo que no se incluyo. 
Según se sabe, luego de la grabación los músicos se quedaron con una copia y volverían al término de unas semanas a buscar la versión ya mezclada y de ser necesario, re grabar algunas partes. La grabación había costado £200 y era todo lo que tenían. Cuando volvieron a las pocas semanas, los encargados de los estudios Spaceward reclamaron £50 mas por el master original, pero Steve Harris y compañia no disponían de ese dinero. Al regresar pocos días después ya con las Libras para retirar el Master, resulto que habían usado la cinta para grabar otra banda arriba. Por ende ese master se perdió y lo que quedó registrado en el EP es el crudo original.
Crudo original de la grabación en Spaceward Studios

Se distribuyeron solo 5000 copias por correo y se vendieron a las pocas semanas.
Al día de hoy hay muchas copias falsas y solo algunas originales que son difíciles de conseguir.
Se lanzó bajo el sello de la banda, Rock Hard Records, creado para la ocación.



Al momento de la grabación Iron Maiden se componía de 
Paul Di'Anno - Voz
Dave Murray - Guitarra
Steve Harris - Bajo
Doug Sampson - Batería
pero hay una teoría que dice que este mismo día en el estudio se encontraba también Paul Cairns en Guitarra, y que por haber abandonado el grupo poco tiempo después, Steve Harris decidió no incluirlo en los créditos.
El mismo Cairns reclamó hace pocos años atrás (bastante tiempo después de la grabación, si), que estuvo efectivamente ese frio día de Diciembre en el estudio. Incluso nombró específicamente las partes que el ha tocado.
Hace también un par de años atrás, Steve "Loopy" Newhouse quien fuera en ese entonces amigo de la banda para luego convertirse en Road Crew, compartió en las redes sociales unas fotos inéditas en donde se lo ve a Paul Cairns en una sala de ensayo o de grabación junto a algunos integrantes de Iron Maiden. Loopy no recuerda si esas instantáneas corresponden al momento de la grabación de The Soundhouse tapes o a un simple ensayo. De hecho no recuerda si quiera que Cairns haya estado presente en la grabación.
También circula una foto de la banda con Cairns frente a un pub al lado de los estudios Spaceward. 
Por último si se escucha con atención las canciones, por momentos parecería que hay dos guitarras e incluso una de ellas no sonaría como el habitual estilo de Dave Murray. Si se puede dar con la grabación de "Strange world" que no fué incluida, se puede apreciar eso, mas precisamente en el segundo solo.

Poniendo los datos en la balanza. 
Lo que se escucha en el E.P. no es una prueba de que Cairns haya estado presente. Puede que se trate simplemente de Murray interpretando de distinto modo la segunda guitarra para darle mas versatilidad. Y no olvidemos que "Strange world" es un tema que ya venían tocando desde hacia un par de años atrás. Por lo que simplemente Dave pudo haber tocado el segundo solo como estaba ya escrito.
Viendo durante años como se han dado las cosas en el seno de la banda, y citando nuevamente la "prolijidad", se me hace difícil de creer que a Mr. Harris se le haya dado por olvidar ese detalle, y negar a un integrante en la grabación.
Que hayan pasado mas de 30 años y que Mr Cairns recién ahora reclame (a la nada misma) su colaboración en esta grabación es un tanto ridículo.
Paul Di'Anno, Steve Harris y Paul Cairns

Por otro lado, Paul Cairns nombra en forma detallada que partes son las que salen de su guitarra, y lo que mas en duda me deja es la foto en el Pub justo al lado de los estudios Spaceward, Puede haber sido tomada durante un break en la grabación? o simplemente fue la instantánea de cuando fueron a averiguar para poder grabar alli? y al poco tiempo Cairns dejo el grupo.

Aqui una carta que Paul Cairns le envió a Nicko McBrain (?) (Parece que fue al único que pudo ubicar) Sin contar que tenia contacto con Steve Loopy Newhouse, pero vaya a saber porque decidió escribir a Nicko.

Hi Nico..Paul "Mac" Cairns here..also a born again brother in Christ..got saved 6 years ago, our local bapist church here in Dover, Kent UK(Salem baptist Church Dover)...I was a member and guitarist in Iron Maiden back when Doug Samson was the drummer, passed the audition..so to speak!....in fact it is me And my guitar intro's that the world first heard about IRON MAIDEN. played intro on PROWLER.... listen to the start of "Prowler"..and also on all those tracks that followed ,eg..2nd solo on Strange World etc..all me man.. featured on "The Soundhouse Tapes"..which we cut on a chilly new years eve at Spaceward Studios(I never knew why I was not given any recognision, it certainly was not Dave that played all guitar parts..no way, I did my part in the studio, you can hear my guitar parts easy, they are very different to Dave's..at the time I was still am a huge Jimmy Page fan..all my guitar parts on the demo ...Strange World second solo..Invasion etc.......Nico, will you PLEASE do me a small favour, and I would be very, very thrilled and pleased..would you tell Steve H and Dave M... that I would be honoured and very humbled to be recognized as a member IRON MAIDEN that actually played on THE SOUNDHOUSE TAPES at Spaceward Studios, way back on that chilly December New Years Eve... in 1978... and what that tape subsequently produced for the band, via Neal Kay's efforts,...namely deserved worlwide success, Steve's great songwriting skills, a skilled band of troubadours, who could have even guessed.. .at those early sessions at Spaceward Studios, Ruskin gigs etc...etc..and so...Rock on brother Nico...give all praise and glory to the Lord..always...be great to meet up with you one day ..God Bless ..Paul Cairns..my .email: britpol@live.co.uk..(got some early pics of Maiden to show you...scary!!!)

Traducción de lo mas importante:
Steve Harris y Paul Cairns
Fuí miembro y guitarrista de Iron Maiden cuando Doug Samson era el baterista. Soy yo y mi intro de guitarra lo que el mundo escuchó por primera vez de Iron Maiden. He tocado la intro en "Prowler". Escucha el comienzo! y también todos los tracks que siguen como por ejemplo el segundo solo de Strange World. En todo estoy yo tocando en The Soundhouse tapes, que fué lo que cortamos en una fría víspera de Año Nuevo en los estudios Spaceward.
Nunca supe por qué no me dieron ningún reconocimiento. Ciertamente no fue Dave quien tocó todas las partes de la guitarra ... de ninguna manera, hice mi parte en el estudio, puedes escuchar mis partes de guitarra fácilmente. Son muy diferentes a las de Dave ... en el momento en que todavía era fanático de Jimmy Page. Nicko ¿me harías un pequeño favor, y estaría muy, muy emocionado y satisfecho ... le dirías a Steve H y Dave M ... que me sentiría honrado de ser reconocido como miembro de IRON MAIDEN que en realidad tocó en THE SOUNDHOUSE TAPES en Spaceward Studios, en 1978? y lo que la cinta posteriormente significó para la banda, a través de los esfuerzos de Neal Kay ...un éxito mundial merecido. 
La gran habilidad de Steve para componer canciones, una hábil banda de trovadores, quién podría haber adivinado ... en esas primeras sesiones en Spaceward Studios, o en conciertos de Ruskin, etc ... etc. y así ... 
Rock On hermano Nicko ... alabanza y gloria al Señor ... bla bla bla (tengo algunas viejas fotos de Maiden para mostrarte ... aterrador !!!)

Por último, se publicó en la pagina de Iron Maiden Brazil una entrevista que se le hizo a Paul Di'Anno y en el final se le pregunta por Cairns.

I.M.B. - A pergunta que não tem uma resposta oficial é: Paul Cairns gravou o "Soundhouse Tapes" com o Iron Maiden?
DI'ANNO - Sim. eu me lembro dele lá, de forma bem clara. Ele tocou no "Soundhouse Tapes" e ele era um cara bem legal. Lembro-me sair com ele. Acho que hoje ele mora na Suíça.

I.M.B. - La pregunta que no tiene una respuesta oficial es: Paul Cairns grabó el "Soundhouse Tapes" con Iron Maiden?
DI'ANNO - Sí, lo recuerdo allí, de forma bien clara. "Él tocó en " The Soundhouse Tapes "y era un tipo muy cool. Me acuerdo de salir con él. Creo que hoy vive en Suiza.

Señores... la polémica está servida.