miércoles, 21 de octubre de 2020

Kriteria Records Bootlegs

 Aquí comienza esta nueva entrega de Kriteria Records, sello virtual de este blog dedicado a bootlegs de todo tipo para libre descarga. Mucho materia que vamos a ir subiendo de a poco y en entradas de varios bootlegs por vez. "Click" al cover para descargar y esperamos los disfruten.







jueves, 15 de octubre de 2020

Pensamiento al pasar... y aquellas reediciones que serían extremadamente necesarias?

 Muchas veces me encontré en situaciones (siempre musicalmente hablando lo que se escriba aquí) en las que tuve pensamientos encontrados. Y este es el caso de algunas reediciones que se han dado a lo largo de los años.

Me pasó con las reediciones del año 2016 de Kamikaze del flaco Spinetta. Pienso que hay discos que por mas que originalmente se hayan editado en un tiraje limitado, tendrían que quedar así, como piezas de coleccionistas, casi imposibles de conseguir, que de hecho así quedan, pero con ciertas reediciones a mi gusto no se hace mas que llenar de basura las góndolas. Este Kamikaze de Spinetta originalmente fue lanzado en L.P. y Cassette por el sello Ratón Finta y mas tarde en el año 1995 la discográfica BMG, en alianza con Mordisco, editaron Kamikaze en formato de CD. Y ahí tendría que haber quedado. La reedición de 2016 no es de muy buena calidad según yo entiendo. 


Lo mismo ha pasado con "Solo el amor puede sostener" o con "Alma de diamante".Este último de Spinetta Jade. Son placas que tendrían que haber quedado solo con la edición original en Cd de los 90's.

Pasa lo mismo con muchos grupos nacionales que reeditaron álbumes en formato vinilo, que sin dejar de lado a Spinetta, muchos discos en vinilo 180 grs son copias de los mismos audios del cd. O sea una truchada de la discográfica que no tiene nombre. V8 es otro caso y su "Luchando por el metal" en vinilo reeditado que suena como la mierda!

Y una noticia de hace unos días que me acabo de enterar, es que el sello Twilight Records va a editar por vez primera en formato Cd los dos álbumes de la banda ultra oscura que supo tener Javier Calamaro desde 1986 a 1988 llamada "El Corte". En este aspecto es un poco distinto ya que sería la primera vez que se editen tanto el disco debut homónimo como el de 1988 llamado "El camino contrario" en formato Cd, lo cual tiene su mérito, pero a mi gusto si bien fue un proyecto que me encantó y aun hoy me encanta, El corte tendría que haber permanecido así por siempre, solo en el formato original que ha sido editado en un comienzo. Joyas inconseguibles y verdaderas piezas de coleccionistas. No tiene caso tener hoy día una versión en cd, que veremos si esta remasterizada o si viene tal cual con ese sonido áspero y falto de producción del original (que de hecho esa es la gracia), pero solo imaginarme ese mismo sonido, que suena a magia en vinilo, plasmado en cd, me da dolor de cabeza!

Carbone de Twilight Records y Calamaro


sábado, 26 de septiembre de 2020

Halógena - Perdiste (1995)



Halógena fue una banda de metal formada en Argentina a principios de los noventa y disuelta en 1998.
La banda fue fundada en 1989 bajo el nombre de Último Momento, influenciados por Soda Stereo, de la mano de Pablo Olivares (voz y Guitarra) y Pablo Di Giorgio (bajo). Estos mismos pertenecían a la misma escuela secundaria. Recorrieron el circuito under de Buenos Aires con ese nombre pero con el tiempo serían primero "Cruz Halogena" para luego más tarde ser “Halógena“ definitivamente. Meses después se unió como baterista Roberto Barrionuevo.

En el año 1995, realizaron una preproducción en los estudios Supersónico (Estudio de grabación de Soda Stereo) con la participación en la mezcla de Zeta Bosio y la operación de Adrian Taverna y Eduardo Bergallo como técnicos. De esa experiencia salió el corte difusión que daría nombre a su primera placa “Perdiste”, lanzado el 27 de noviembre de 1995, realizada en el estudio móvil de Pichón Dal pónt. Editado por Fonovisa este CD fue acompañado con la filmación de 2 videoclips, "Perdiste" dirigido por Diego Kaplan y "Cicatrices", dirigido por Pablo Olivares. En el año 1996 se presentaron abriendo el show de Skid Row en el estadio Obras (hoy Estadio Pepsi Music), con excelentes críticas de los medios. Sus cortes "Perdiste", "Vampiro", "Norma" y "Cicatrices" rotaban por las radios. Realizaron giras por el interior del país con otras bandas, denominadas como el "Nuevo Rock Argentino" , junto a bandas como Catupecu Machu, El otro yo, Logos, Raptor, Carca, Actitud María Marta, Los Cafres, etc. Hicieron presentaciones en televisión, un especial eléctrico en Much Music, entrevistas en ese canal, rotación de videos en MTV con entrevistas, shows en ATC (hoy Canal 7), Canal 9, Crónica TV. Telonearon en diversas oportunidades a Rata Blanca, Massacre, Los Brujos, Horcas, Lethal. Convocados por Mario Pergolini, se presentaron en su programa realizado en el Auditorio Promúsica tocando en vivo para la Rock And Pop (radio).

En febrero de 1997 realizaron su primera gira internacional, presentándose en México, realizando varios conciertos en diversas ciudades y luego en EE. UU. (más precisamente en Los Ángeles, California). Finalizando este año grabaron su segundo CD “Tattoo”, en los estudios Panda (Buenos Aires) con Mario Altamirano como técnico, con una propuesta más contundente que en el primer disco, más cercana al Hardcore y Nü Metal, sin restarle importancia a las melodías. El disco propone un notable cambio en la voz de Pablo Olivares, quien adopta para este trabajo una voces más graves y guturales. Nuevamente ofrecieron un show en el programa de Mario Pergolini (Cuál es, por la radio Rock N' Pop) anticipando temas de este CD con su nuevo baterista José Luis Rugilo. En ese mismo año participaron del festival Monster Of Rock realizado en el estadio del Club Ferrocarril Oeste, teloneando a Whitesnake, Megadeth, Queensryche y Riff. Con este disco en mano realizaron una nueva gira exitosa pero con un final poco feliz.
Luego de un concierto en Panamá la banda siguió su camino hacia México DF, donde un día antes de su show en el festival Vive Latino (MTV 1998) Fueron secuestrados y liberados un par de horas más tarde, Pablo Olivares habló con su mánager, sin otra posibilidad se vieron obligados a finalizar su gira, cancelando shows en España y regresando al día siguiente a la Argentina. Ya en Buenos Aires, desanimados y con varios replanteos, entre ellos un secuestro, decidieron disolver el proyecto. Pablo Olivares decidió volver al cristianismo, debido a la gratitud que sentía a Dios a quien adjudica haberle salvado la vida mientras estaban secuestrados prometiendo dejar todo atrás. Pablo Di Giorgio y José Luis Rugilo formaron Factor Inicial.


En el año 2003 se juntan nuevamente solo con el objetivo de realizar un nuevo CD, fusionando elementos tangueros con rock y una lírica totalmente diferente. El mismo es una perla que nunca fue editada.

La formación a lo largo de su existencia fué:
Pablo Olivares - Voz / Guitarra (1989 - 1998)
Pablo Di Giorgio - Bajo (1989 - 1998)
José Luis Rugilo - Batería (1997 - 1998)
Roberto Barrionuevo - Batería (1990 - 1997)



La placa tiene un sonido muy metal de los 90's, en los que muchos tracks como "Cicatrices" "Mutante" o "Perdiste" se observa un muy contundente "groove" que te hace saltar de la silla!
Pablo Olivares posee como cantante una técnica interesante y la voz acorde para el momento. Nada malo que decir. Pablo Di Giorgio es un bajista completísimo, que da gusto escuchar. Recomiendo el tema "No me voy a acostumbrar", prestar principal atención a las 4 cuerdas y dejarse llevar!
Pude verlo a el en vivo hace un par de años tocando con la banda "Proyecto Esencial" y por suerte pude decirle lo que pensaba de el en persona.
El general este "Perdiste" cumple, y demuestra un buen (si queres llamalo Ñu) Metal argento para disfrutar del momento. Potente, firme, y bien ensamblado los 3 músicos.



martes, 15 de septiembre de 2020

Kriteria Noticias

 

Adrian Smith habló hace unos días con Raised on Radio sobre su partida de Iron Maiden.

Smith se alejó de la doncella en 1990, y volvería en 1999 traído de los pelos por Bruce Dickinson que también se estaba reincorporando. 
Allá por 1990, Maiden comenzaba a trabajar en un nuevo álbum de estudio, que se llamaría "No Prayer for the dying". Este álbum supuso un cambio radical en su sonido, (volviendo a las raíces), con una producción mas cruda, y en vivo también se notaría (dejaban de lado la parafernalia de escena para poner de background solo un muro de Marshall!

Al respecto el guitarrista comenta: "Para mi, Somewhere in Time y Seventh Son se estaban adentrando en un sonido mucho mas producido y trabajado, lo que en ese entonces me fascinaba. Yo estaba muy a gusto con ese rumbo, pero Steve Harris ya había dejado eso atrás y estaba apostando por una vuelta a los inicios. Estaríamos grabando en su propio estudio y con un sonido crudo, sin tanta superproducción de consola. Eso supuso una desilusión gigante para mi persona.
Sinceramente no veía la hora de volver a componer como lo había hecho en Somewhere in time, y no me sentía a gusto en el lugar en el que estábamos parados componiendo lo nuevo, realmente se notaba mi tristeza. Esto puso completamente locos a los otros músicos, especialmente a Steve, que veía que yo no estaba al 100% en la banda, lo cual supuso mi salida."
De hecho la salida de Smith fué ni bien habían empezado a trabajar en el nuevo álbum. Tanto es así que si bien el guitarrista no lo grabo, si tuvo co-participación en la composición de un tema, "Hooks in you" que es el que pinta mas canchero en la placa.

Hecho aparte y aprovechando, para el que no sepa, el guitarrista acaba de editar su libro biográfico "Monsters of River & Rocks" que pinta más que interesante!
"Adrian Smith is well known in the Maiden community as a fisherman, and a former cover star of coarse-fishing bible the Angler's Mail (biggest chub of the season, August 2009). In his first, very personal, riverside memoir, Monsters of River & Rock, Smith takes us with him on his incredible journey, through the highs and lows of life on tour, and on the river-bank, as his fishing gear travels with him across the world."




jueves, 3 de septiembre de 2020

Pensamiento al pasar... y los que a unos pocos les gustan


Caí en cuenta no hace mucho, que en su gran mayoría, me gustan muchos álbumes que para muchos o para la gran mayoría, son trabajos flojos. Y porque será eso?, creo tener la respuesta.
Mientras algunos toman tal o cual placa como un desacierto de una banda, por no permanecer "genuinos", por haberse "descarrilado" de su sonido característico, y por vaya a saber cuantas mas razones, yo veo cada trabajo como por separado de la discografía. Por lo menos en primera instancia cuando escucho por vez primera tal o cual disco lo hago sin fijarme como sonó el último editado. De esa forma se puede ser un poco mas objetivo al percibir lo que la placa tiene para ofrecernos como oyentes.

Ejemplos miles:

Kreator - Renewal (1992) que me fascina y puedo escuchar mil veces. Con matices industriales que muchos encontraron como la peor de las desgracias! pero sin embargo regalan orgasmos auditivos como (por nombrar solo uno) "Winter Martyrium"
Iron Maiden - The X factor (1995) Se fue Bruce y todo aquel que tenga el descaro de suplantarlo sera aniquilado!, dijeron los subnormales.
Blaze en vivo dejo mucho que desear, sobre todo en la gira de este álbum, pero mas allá de eso, y focalizándome solo en lo grabado, este disco tiene una oscuridad que no se podría haber logrado con Bruce. Y lo amo!
Yes - 90125 (1983) y Big generator (1987) En cuanto al primero, el éxito del sencillo Owner of a Lonely Heart empujó al LP al top 5 de la lista de álbumes, espaldarazo que brindo a la agrupación un triple platino: sólo en Estados Unidos vendió 3 millones de copias, siendo el disco comercialmente más exitoso de la banda por lejos, y por ende uno de los mas odiados por los fans, pero si me olvido lo que hizo toda la vida Yes, es un trabajo acorde a la época musical que lo rodea y con canciones sólidas! Por otra parte, Big generator tuvo aún menos suerte, con una grabación caótica que se alargó mas de lo previsto y una tibia recepción por parte de los amantes del rock progresivo, en un disco que guarda un lugar importante en mi corazón musical.
Celtic Frost - Cold Lake (1988). Donde quedó la maldad y el "satanerío" de antaño?! fue cambiado por pantalones nevados, tiradores rosas, remeras de L.A. Guns y mucho spray para el pelo!
Tanto fue así que hasta el mismísimo Tom Fischer lo desterró de la discografía, y ni siquiera le regalo una re edición. 
Es un discaso puero de Hard Rock, y hay que verlo así! La producción es mala, pero la composición no esta nada mal para mi.
Motley Crue - Motley Crue (1994) Mas o menos lo mismo que pasò con Blaze en Maiden. Corabi no fue bien recibido, pero por única vez en la carrera de los Crue, grabaron un álbum en serio, dejando el circo! Con un poder único! y ahi quedó, apartado en un rincón... pero no para mi!

y nombro con rapidez algunos mas: Anthrax - Sound of White Noise (1993), Black Sabbath - Born again (1983), Quiet Riot - QR (1988), Queen - Hot space (1982), Misfits - Famous Monsters (1999), Helloween - Pink Bubbles Go Ape (1991), y mas!
Todos en las listas negras de muchos, pero para mi son obras de arte!
Salud!



martes, 16 de junio de 2020

Los Guarros!


Digamos que siempre tuve una debilidad genuina por Los Guarros, el proyecto formado allá por el año 1988 por Javier Calamaro y Daniel "Gitano" Herrera.
En 1988, Javier Calamaro el menor de los dos hermanos Calamaro varones, decide disolver El Corte, su anterior banda, debido a que uno de sus integrantes, Hernán Reyna, se radica en Alemania.
Ese mismo año se encuentra con el guitarrista Daniel "Gitano" Herrera y deciden formar una banda de rock duro llamada Los Guarros, acompañados por Daniel Castro en bajo, Andrea Álvarez en percusión, Daniel Ávila en batería y Karina Brossio en teclado.
En 1989 graban su álbum debut: “Prostitución y Vagancia" por "El Cielito Records". En subsiguiente en 1990 editan “Rosas En Tu Pecho”, obteniendo mayor repercusión.
Ese año cambia la formación: Javier Calamaro en guitarra y voz, Gitano Herrera en guitarra y coros, Pablo Duchovny en teclado, Marcelo Mira en batería, Zurdo Alaguibe en percusión y Daniel Castro en bajo.
En 1991 el nuevo grupo graba el álbum homónimo, editado por "Radio Trìpoli", el que les dio mayor reconocimiento, incluyendo el hit “Vamos A la Ruta”, y les valió en 1992 las aperturas de los conciertos en Argentina de Guns N’ Roses, Brian May y Joe Cocker.
En 1993 llega “Veneno”. Vuelven a abrir el show de Guns N’ Roses en Argentina.
En 1994 lanzan un grandes éxitos titulado “Acústico y Rock ‘N’ Roll”.
En 1996 sale a la venta “Pampas Lisérgicas”, álbum que marcaría el fin de la banda. Javier Calamaro comienza su carrera en solitario y Gitano Herrera se muda a Estados Unidos.

Líricamente la banda no sobresale en absoluto, bien hacen honor a su nombre con frases tan poéticas y de verso complejo como "Eso que tenes entre las piernas, me está llamando" , "Yo te digo, abrí la boca tragala" , "Vas corriendo detrás de un billete, tanto whisky putas y merca" , "Hoy vamos a hacer una fiesta negra". 
Vamos que hemos leído cosas peores de la mano de Cannibal Corpse, pero estas letras no dejan de sonar un poco ridículas, incluso la portada de su debut, donde Javier Calamaro y El Gitano se encuentran en la puerta de un albergue transitorio con cara de niños malos buscando problemas y mientras este último le está tocando el culo a una prostituta. O sea... en serio???

Pero bueno, es una característica de la banda y lo que realmente me importa es la música, que de verdad es muy completa y como grupo suenan compactos, con identidad propia. La guitarra del Gitano la podes escuchar en alguna zapada y reconocerías que es él quién la toca! Y sobresale también en todos sus albumes el trabajo de percusión.

En 2016 la banda se reúne luego de una pausa de 20 años, con su formación clásica: Javier Calamaro en voz, Daniel "Gitano" Herrera en guitarras, Marcelo Mira en batería, Daniel Castro en bajo y Daniel "Zurdo" Alaguibe en percusión y dan un concierto en el marco de “La Noche de la Música”, en el Rosedal de Palermo de la capital argentina, y anuncian álbum para 2017.

En una entrevista a Infobae en el año 2017 y a punto de editar su nuevo album llamado "7", comentan:

- Hicimos un discazo y  lo presentamos el 10 de noviembre en el Gran Rivadavia. El disco físico está saliendo ahora y en vinilo en febrero. Mientras tanto no vamos a tomarnos un verano de descanso, sino un verano de descanso y guarradas.
-Cuando empezamos a grabar, seleccionar un repertorio no era fácil porque en los seis discos de Los Guarros había una cantidad de temas buenísimos. Agarramos los que consideramos mejores, los que más nos gustaban, y empezamos a trabajar sobre eso, como si la banda la hubiésemos formado en el 2017. O sea, (dijimos) "tenemos esta composición, tenemos estos temas, vamos a llevarlos al lugar que más nos guste". Y cambiaron mucho.
-En realidad es bastante más fácil de lo que parece porque yo creo que si no hubiésemos dejado de tocar estos 20 años, estaríamos sonando bastante parecido, seguramente porque es una evolución que fue pasando. El tema de las letras es lo que más intacto quedó porque estaba muy bueno de la manera que eran, y siguen diciendo algo muy bueno. Fue algo que me impresionó porque leía muchas de las letras de Los Guarros después de 20 años y me parecían más actuales que nunca. Eso quedó. Y lo demás, el sonido, como que lo aggiornamos.
-En el disco hay tres temas nuevos con una dirección que es muy clara: tiene que ver justamente con lo que aprendimos, con el sentido de la vida, con vivir sin miedo, con varias cosas que tienen que ver con los conflictos que tenemos todos en esta época. Qué hacemos con tanta información, cómo tamizamos eso y cómo lo usamos para nuestro provecho y no para que eso nos queme la cabeza. Eso de decir: "Huy, yo quiero retocar mi foto de perfil de Facebook,"y todas esas boludeces. Para eso sirve haber vivido, para decirle algo al resto del mundo que por ahí sabe, que por ahí no, y para eso usamos las canciones nuevas, que para mi gusto son las mejores.

Si nunca los escuchaste te recomiendo que le pegues una oida a los temas "Pampas lisérgicas" (mi favorito lejos),  "No te metas en mi vida", o "Te de Cactus", solo por nombrar algunas.

jueves, 4 de junio de 2020

Radio Trípoli Discos

Hace un tiempo atrás hablé de algunos sellos discográficos argentinos, y me habia quedado en el tintero tocar el tema de Radio Trípoli Discos.
Radio Trípoli Discos, a partir de 1992 Trípoli Discos, es una compañía discográfica independiente de Argentina, fundada en 1988 por Sergio Fasanelli y Walter Kolm. Lo que desconozco en parte es si actualmente sigue activa como sello discográfico. Para mi cesaron actividades en 1994, pero en algún que otro foro hay algunos que dice que siguen, cosa que dudo.

Si hay un sello que fue importantísimo en la escena under argenta es Trípoli, precursora de la segunda ola punk en Argentina de finales de los '80 impulsando a varios grupos a lanzar sus primeras grabaciones. Muchos grupos importantes de la escena rock argentino consiguieron sus primeras grabaciones oficiales, tales como Sentimiento Incontrolable, Massacre Palestina (hoy Massacre), Javier Calamaro, Los Auténticos Decadentes, Los Visitantes, Bersuit Vergarabat, Memphis la Blusera o Hermética, Perfectos Idiotas (hoy Karamelo Santo) y Comando Suicida, entre otros.
Trípoli llegó a ser el sello que le dio una nueva identidad a una cantidad de bandas que estaban transitando por el under de Buenos Aires de finales de los 80 y principios de los 90. Le brindó las posibilidades a muchas bandas, entre ellas Attaque 77 y Flema, de hacerse conocidas para luego despegar por su cuenta. Luego de la "explosión punk" a fines de la década de 1980, el sello se dedicó a producir a bandas de géneros diferentes y a publicar álbumes de músicos y bandas extranjeras.
El puntapié inicial, lo tomaron otros sellos independientes que sumarían a sus filas a muchas de las bandas promovidas por Trípoli inicialmente. El sello continuó editando discos en forma muy selecta de material que llegaba a través de sus productores artísticos. Lo que nunca entenderé a ciencia cierta, es como llegaron a fichar al Teto Medina o Brigada cola entre sus lanzamientos.
Pero mejor pasar por alto eso, y centrarnos en que fueron los encargados de reeditar en cd los discos de V8 en el año 1992, y varios álbumes de Sepultura. Contamos también a los Gatos sucios y Los guarros entre otros. Y como no... mis amados Hermética!. Si hay algo que me arrepiento en la vida es haber vendido el debut y Ácido Argentino, (ambas primeras ediciones de Trípoli), para costear parte de mi viaje a España en el año 2002. Pero lamentablemente otra no me quedó.
No pude volver a conseguirlos en primeras ediciones. Oportunidades no faltaron, pero me resisto a pagar sumas ridículas de algunos especuladores que piensas salvar su año con esos precios. Ya aparecerá alguno con los pies sobre la tierra. Ojo, se que no son copias baratas pero tampoco es material inconseguible como para barajar esos montos.

Volviendo al tema, sin duda un punto de quiebre importante en la escena under fue el compilado que editó Tripoli llamado "Invasión 88", el primer compilado punk de la historia local!.
Invasión 88 se presentó el Viernes 16 de diciembre de ese año, en Cemento, y en el tocaron todas las bandas incluidas en el compilado. Se fabricaron 3 mil copias en vinilo claro, y también aparecieron ediciones en cassette y VHS e incluía bandas como Los Laxantes, Ataque 77, División Autista, Flema, Comando Suicida, Rigidez Kadaverika entre otros.

Con respecto a Invasión 88, Mariano de Ataque 77 dijo en una entrevista con el "Suplemento No" de Pagina 12:-
- ¿Cómo fue la conexión con Radio Trípoli?
Mariano: - Nosotros habíamos grabado un casete en un par de ensayos de cada banda y lo habíamos dejado en algunas disquerías. Ellos lo escucharon y les gustó Defensa y Justicia: estaban encaprichados con sacar el disco de esa banda. En un show de Defensa, en Gracias Nena, ellos fueron y nos hablaron de que estaban sacando los discos simples de Comando Suicida y Sentimiento Incontrolable.
Nos ofrecieron salir en el compilado y nosotros les dijimos que pusieran también a Attaque, pero ellos no querían saber nada. Después estuvieron persiguiéndonos un año más para que grabáramos el disco de Attaque, porque nosotros mucho no queríamos. Pero nos invitaban a comer, nos traían bebidas todos los días... y nos convencieron (risas).

Mucha historia guarda Trípoli Discos, lo importante es no olvidarla.

sábado, 2 de mayo de 2020

Emerson, Lake & Palmer ‎– Brain Salad Surgery (1973)


Hoy fué la primera vez que escucho el tantas veces aclamado Brain salad surgery de los Emerson Lake and Palmer. Si, hoy recién fue mi primera vez con este álbum. Y muchos podrán pensar... recién? Así es.
Hay tantas pero tantas cosas para escuchar, que obviamente se te pueden escapar muchos clásicos que luego de años y años de mamar cultura musical, dejas relegado para mas adelante, hasta que llega el momento... tarde pero seguro.
La verdad, tan aclamado fue y aún hoy es objeto de culto este Brain salad surgery, que quizás mi vara estaba demasiado alta, y en parte fue dura la caída!
Quizás el último gran álbum del trío? No lo creo, seguro uno de los más aplaudidos.
Se publicó en 1973 bajo su propio sello discográfico Manticore Records, y Greg Lake compuso todas las letras con la ayuda de Peter Sinfield.
No puedo dudar de la gran versatilidad y talento como músicos de estos ñatos, pero es que no me sorprendió en lo mas mínimo! Esperaba algo grandilocuente, majestuoso, y la verdad no escuché otra cosa que no haya escuchado en infinitas bandas progresivas oscuras de Italia o Francia, para serles honestos.
No esta nada mal, pero me quedó gusto a poco.

“Ese disco marcó algo muy importante en mi vida, en mi mente ese álbum es el número uno. No solo fue muy popular sino que además, en mi caso, marcó un tope, fue un disco con el verdadero espíritu del grupo. [Carl Palmer]”

Tras la publicación del brillante Trilogy, su anterior trabajo, que fue grabado en las entonces novedosas mesas de 24 pistas, lo cual supuso que hubiera gran cantidad de sonidos sobrepuestos, se decidió componer un trabajo para que fuese posible tocarlo en directo sin necesidad de sonidos pregrabados. Para ello se compró un cine en Fulham, Londres, y se compuso todo en directo para poder representarlo en formato de trío sin ningún tipo de añadido sonoro.

“Lo que realmente sucedió fue que acabábamos de grabar Trilogy y no podíamos representar en vivo mucho de su material por tantos sonidos superpuestos que no podíamos recrear fielmente en formato de trío en un escenario. Así que lo que decidimos hacer en nuestro siguiente trabajo fue un disco en vivo en primer lugar, de tal modo que luego lo pudiésemos tocar sin dificultades técnicas. En realidad, y esto puede parecer terriblemente extravagante, compramos un cine y quitamos todas las butacas. Montamos todo el equipo en el escenario y empezamos a componer el álbum”.

Para ello, y debido al interés creciente de Keith Emerson en los nuevos sintetizadores, Moog Music desarrolló el primer módulo polifónico que se utilizó para la grabación del álbum junto a dos secuenciadores Moog 960, analógicos, que se integraron en el Modular IIIc que también se utilizaría, desde entonces, en los conciertos en directo.
También Carl Palmer, tras la gira Get Me a Ladder, tomó clases de timbales en la Guildhall School of Music & Drama y aumentó su set percusivo incluyendo timbales, gongs y uno de los primeros instrumentos de sintetizadores de percusión.
Esto indudablemente tiene un mérito tremendo y un indiscutible vanguardismo para la época, pero resulta que para mi, hoy no sorprende.

La placa abre con una adaptación del himno de Hubert Parry con letras del poeta William Blake.
Sigue con una pieza instrumental basada en el cuarto movimiento del Primer Concierto para Piano de Alberto Ginastera. Ok, aca se incluyó una sección de percusión en la que Carl Palmer utilizó la nueva tecnología de sintetizador adaptada a la batería.
Combinamos esto con una balada, y luego “Benny the Bouncer” que es la última composición de la serie sobre el Viejo Oeste, que dice poco.
“Karn Evil 9”: la composición más extensa del disco, dividida en tres secciones o impresiones, con un trasunto conceptual sobre lo que acaece después de una guerra para pasar al relato de un maestro de ceremonias que presenta al público todo lo que se puede observar en una ceremonia circense hipotética. Y aquí estoy ante el punto más interesante del álbum, que no es menos, compositivamente es una obra tremenda y muy bien interpretada, pero la segunda impresión es instrumental que incluye el calipso “St. Thomas” de Sonny Rollins y material reelaborado del primero de los Valses de Mefisto de Liszt: “Den Tanz in der Dorfschenke”.
A que voy hasta ahora? La placa abre con una adaptación tradicional, sigue con algo basado en en un movimiento de concierto de Ginastera, una balada normalita, un cuarto track que no dice nada y justo cuando se viene lo mejor... en el medio hay otra llamada a alguna otra composición de un tercero? Vamos!!! Es que no tenían material?
Esto a mi gusto resta valor, lo lamento! Siempre preferí los discos que tienen material propio y original de la banda, sin adaptaciones, cover y demás aditamentos, y no esperaba esto de ELP sinceramente.
El disco esta bien, reitero, no es un mal trabajo para nada, y se deja escuchar e incluso lo escuché varias veces y es muy entretenido, pero voy a que esperaba mucho mas.
La portada del disco corrió a cargo de Hans Ruedi Giger, que dibujó una de las imágenes más memorables, e inquietantes, de su tiempo. Se puede observar su técnica biomecánica monocroma y bla bla bla...




sábado, 25 de abril de 2020

Nuevo Instagram


Acabo de inaugurar un nuevo canal de Instagram para este Blog @kriteria.radial 
La idea es ir subiendo diferentes fotografías siempre referidas al mundo de la música. Curiosidades, fotos de cd's y vinilos de mi colección o de cualquiera que quiera enviarme si consideras que sea una edición curiosa, rara o simplemente te sientas orgulloso de poseer (también incluiré tu usuario de Instagram arrobado).
En definitiva todo lo referido al maravilloso mundo de la música.
En la medida que se pueda y al final de todo este caos con el Covid-19 la idea es organizar diferentes sorteos de material entre los seguidores de la cuenta.

Hasta pronto!


sábado, 18 de abril de 2020

Hagar Schon Aaronson Shrieve


Hagar Schon Aaronson Shrieve (también conocida como HSAS) fue una banda conformada por el cantante Sammy Hagar (Montrose, Van halen), el guitarrista Neal Schon (Journey), el bajista Kenny Aaronson (Dust, Blue Oyster Cult, Michael Monroe)  y el baterista Michael Shrieve (Santana). El proyecto fue de muy corta duración, lanzando únicamente el disco Through the Fire. El álbum incluye una versión de la canción de Procol Harum "A Whiter Shade of Pale". Alcanzó la posición No. 94 en la lista Billboard Hot 100.​

La banda realizó algunos conciertos en California en 1984, incluyendo al guitarrista rítmico Nick Sciorsci para alguna de las presentaciones en vivo.

Cuando dí con esta super banda fué por el video en Youtube en vivo, del tema "Missing you", y quedé fascinado.
Y todo el album no está nada mal. Me resulta muy entretenido, con fuerza y automáticamente me dejó con ganas de más. Y siempre pienso que esta super agrupación habría tenido un excelente futuro si hubiesen continuado. Una pena que eso no ocurriera.

Dejo el tema en vivo en cuestión, este video es el que más me gusta, y la razón es porque es la toma original, después hay otro como restaurado pero mecha tomas que se nota que son de otros momentos del recital, asi que prefiero esta.
A mi gusto mejor versión que la del L.P.
La voz de Sammy en vivo es impoluta... impecable! y suenan como si fuesen 6 músicos!
Hermoso tema, gran letra y alucinante el puente de la canción!

Y les regalo también el DWNLD


Missing you (Sammy Hagar / Neal Schon)

I remember the first time
And I remember the last
I can't forget the good times, baby
Why have they gone so fast
And I'll always remember
How good you make me feel
Yes, and I always thought if you left me, huh
Well it was no big deal
But its hard to describe how I'm missing you
Girl I'm not tryin' to hide I've been missing you
Everyday
We had big plans
But they kinda fell through
Now for the rest of my life, babe
I'll be missing you
Sometimes I feel so empty
Like there's a hole inside
And I can't forget you baby
God knows I've tried
But it's hard to describe how I'm missing you
Girl I'm not trying to hide, I've been missing you
When you look in my eyes, you'll see I'm missing you, yeah
Well turn your back and walk away
But just don't hang up on me that way
And understand that we did the best we could, oh
And if I could have you, you know that I would
'Cause girl, I've been missing you
Yeah, yeah, well turn your back and walk away, baby
But just don't hang up on me that way, no
And understand that we did the best we could, oh
And if I could have you, you know I would
Girl, I've been missing you
I've been missing you, woah
Missing you
Yeah, I've been missing you, missing you
And I'm not trying to hide
I've been missing you

domingo, 12 de abril de 2020

Rome - A Passage To Rhodesia (2014)


No temo decir que no he escuchado absolutamente nada de Rome, salvo este A Passage to Rhodesia. Ya llegará el momento de descubrir alguno de sus otros tantos albumes.
Rhodesia, conocida oficialmente entre 1970 y 1979 como República de Rodesia fue un estado no reconocido que existió en el sur de África entre 1965 y 1979, en la actual República de Zimbabwe, y se consideraba estado sucesor de facto de la ex-colonia británica de Rodesia del Sur.
Tras la disolución de la Federación de Rodesia y Nyasalandia, en 1963, el gobierno de la minoría blanca (que representaba un 5% de la población de la colonia para ese entonces), liderado por Ian Smith, en un esfuerzo por retrasar una transición inmediata a un gobierno de la mayoría negra, declaró unilateralmente su independencia el 11 de noviembre de 1965. La administración de Smith solicitó inicialmente el reconocimiento como Reino de la Mancomunidad Británica de Naciones con Isabel II del Reino Unido como jefe de estado bajo el título Reina de Rodesia. Sin embargo, en 1970, en un fallido intento de ganar reconocimiento internacional, se declaró la República de Rodesia, con un Presidente como jefe de estado y un Primer Ministro como jefe de gobierno.

Después de una encarnizada guerra de guerrillas entre el gobierno de Rodesia y las organizaciones nacionalistas comunistas africanas, como la ZANU de Robert Mugabe y ZAPU de Joshua Nkomo, Ian Smith aceptó una democracia birracial en 1978. Sin embargo, el gobierno provisional, todavía encabezado por Smith y su compañero moderado Abel Muzorewa falló en apaciguar las críticas internacionales y en detener el derramamiento de sangre. El 12 de diciembre de 1979, el gobierno rodesiano devolvió la administración al Reino Unido en lo que se celebraban elecciones democráticas bajo sufragio universal. Tras la victoria del ZANU, el gobierno británico reconoció la independencia de la colonia bajo el nombre de República de Zimbabwe.
Basicamente y resumiendo, los pocos blancos que quedaban en la parte sur fueron echados a patadas y así los negros recuperaron su tan ansiada independencia.

Volviendo a Rome, es una banda de neofolk oriunda de Luxemburgo fundada en noviembre de 2005. Está compuesta por el escritor y compositor Jérôme Reuter.
Posee un buen número de álbumes editados, y este A Passage to Rhodesia data del año 2014.
Realmente me he sentido conmovido por tamaña muestra de buen gusto a la hora de las melodías. Y suma sobremanera conocer un poco del trasfondo de la República de Rhodesia mientras se escucha siguiendo las letras.
Lo interesante es que Reuter se aparta en este disco de la "locación compositiva" que venía centrada en Europa, (según he investigado parece que su temática compositiva siempre ha estado relacionada con Europa), para viajar a África, pero solo en parte, ya que Rhodesia era una colonia Británica.
Las tierras de Rhodesia le pertenecieron alguna vez? ... pues no, solo a la fuerza, y así han terminado.

Reuter crea un cierto dilema moral que a algunos perturba, pero es tratado con una solemne maestría lírica y belleza sonora. A Passage to Rhodesia invita minimamente a que reflexiones a través de los hechos acaecidos en dicho país.
Melancólico, bello, y repleto de toques que me han abrumado el corazón. No se si será mucho, pero realmente me parece una placa bellísima!

Puedes escuchar un tema de este A Passage to Rhodesia en el segundo programa de Kriteria Radio Show, aqui debajo




lunes, 6 de abril de 2020

Mi eterno agradecimiento a Damian Wilson

Belleza indiscutible, tanta que apabulla. Duele en el alma... a veces.
Damian Wilson es quizás uno de los últimos artistas que a través de un estilo clásico, alejado del pop y del rock, puede crear melodías tan personales como sus canciones.
Ya desde Cosmas quedó grabado en mi corazón la magnitud con la que compone, y la facilidad latente que tiene en crear simpleza tan delicada.
Sueno exagerado?

Aquí dejo su último E.P. 'Thank You'. Editado el 11 de Octubre de 2019, en su 50 cumpleaños. El EP presenta 5 canciones arregladas para piano, violín y violonchelo.
Producido por Andrew Holdsworth, es el regreso de Damian a un enfoque más clásico, grabando solo con piano y orquesta de cuerda, como Damian y Andrew hicieron con Just The Way It Goes hace más de 20 años.


"El proceso de grabación tenía quizás más en común con una sesión clásica que con un pop tradicional. El tiempo y la dinámica de estas pistas son muy expresivos; no hubo pistas con edición. Creo que este EP contiene algo de la música más mágica que Damian y yo alguna vez hemos hecho juntos ".
- Andrew Holdsworth, agosto de 2019 -


miércoles, 1 de abril de 2020

Anacrusis - Manic Impressions (1991)


Infinidad de bandas son las que, a pesar de poseer talento compositivo, creativo y determinación, quedan relegadas al grupo del montón, de relleno, sin alcanzar jamás un ápice de gloria.
Este es el caso de los americanos Anacrusis.
El disco que acabo de escuchar es su tercera placa, titulada Manic Impressions.
La verdad me llevé una grata sorpresa, ya que si bien data del año 1991, soportó muy bien el avance del tiempo. Me refiero a que suena bien 90's, pero al poseer una exquisita mezcla del thrash ochentoso, con el ya clásico sonido machacón de los 90's y una buena porción de progressive metal, no desentona hoy día.
En su momento editado por Metal Blade Records cosechó criticas dispares. Lo cierto es que la placa posee buenos momentos en los que los medios tiempos te permitirán hacer headbangin' sin miedo!
A que suenan? es bastante difícil emparentar su sonido hacia otros colegas, pero háganse una idea que tiene cosillas del primer Annihilator, y el tag "Technical Thrash Metal" es el que mejor le queda.
Canciones que coexisten más que bien dentro de la placa y dejan pocos momentos para relajarse (quizás te puedas dar un respiro solo en los primeros segundos del último tema "Far too long", pero hasta ahí nomas.
No es un álbum que suene conformista, mas bien todo lo contrario. Se nota que fue elaborado minuciosamente y buscando ir un poco "más allá".
Detalle aparte, la portada me recuerda al Vanity/Nemesis de Celtic Frost.

Uno de los temas de Manic Impressions está disponible para que lo escuchen en el primer programa de Kriteria Radio Show. Aqui debajo




domingo, 22 de marzo de 2020

Búsqueda random de algo que no conozca

En tiempos de cuarentena obligatoria por el Coronavirus aquí en Argentina, y siendo las 16:32 hs de este Domingo, me presto a hacer una búsqueda al azar por Internet de 1 o 2 álbumes que jamás haya escuchado para descargar y ver que me depara en destino. Tengo miles de cds, pero ahora se me antoja escuchar algo en formato digital. Así que allá voy....
19:55 hs. Me decidí por descargar el único solista de Hugo Racca por un lado. Quién fuera bajista de la banda argentina Plus , luego de su disolución se puso a grabar lo que sería su debut solista "Vienen Por Vos" (1982), esta vez a cargo de la guitarra rítmica y voz.
Amó y amaré por siempre aquel proyecto Plus, y realmente este "Vienen por vos" esta muy a la altura. No es tan progresivo como aquella banda, es mas una especie de mezcla entre Rock y Folk.
La producción es media floja, pero se deja escuchar mas que bien. Me encanta como está mezclado el bajo de Julio Cesar Smith, bien al frente.
Super recomendable para los amantes del rock nacional de la época

Y como todo tiene que ver con todo, di también con Escarcha.
Los cuatro integrantes de Escarcha tocaban en grupos zonales hasta que decidieron unirse para hacer la música que a cada uno de ellos les gustaba: los mejores temas de los Beatles, The Who, Bee Gees, Hollies.
Naturalmente fueron emergiendo los temas propios, las tímidas composiciones iniciales. En sus recitales y actuaciones (casi siempre en Castelar) comenzaron a intercalar algunas de esas cosas surgidas de la elaboración grupal. En un momento allá por Diciembre de 1971 consiguieron compartir la cartelera del cine Gran Castelar con un grupo "grande" de Buenos Aires: Vox Dei. Esa actuación fue para ellos definitoria: inauguraron todo su nuevo repertorio y se lanzaron, seguros, a la conquista de una posición dentro de la escena nacional. No fue todo, alentados por el afortunado debut, los productores los contrataron para una segunda presentación en la zona. Esta vez con la Pesada del Rock and Roll. Cuarenta días después, sin haberse presentado jamás en la Capital, llegaron directamente al Festival BARock, realizado en los bosques de Palermo.
Ellos cuentan la experiencia: "Sinceramente nos teníamos mucha confianza a pesar de que teníamos esas veinte mil cabezas apuntando hacia cualquier movimiento nuestro. No estábamos nerviosos ni teníamos ninguna de esas cosas que ocurren cuando se tiene un compromiso muy grande: nos sentíamos realmente ansiosos por tocar, cuanto antes fuera mejor. Cuando hicimos el vals (el tema más conocido y característico del grupo) notamos que el público había cambiado su actitud indiferente del comienzo, al promediar el tema nos aplaudieron, eso fue para nosotros un sello, un aviso de que estábamos en el camino".
Escarcha - Simple (Microfon - 1972)
Ellos quieren aclarar una versión que circula en Buenos Aires que los da como los continuadores de la línea de Almendra, o ejecutores de un rock melódico y suave: "No es cierto —aclaran— nosotros creemos que estamos en una línea muy variada: hacemos baladas, temas de rock pesados, folk y blues. Lo que ocurre es que mucha gente nos identifica con el vals (su verdadero nombre es "Si dos más dos no pueden ser siete") que es un tema quizás dulce y tal vez por eso mucha gente lo relacione con "Muchacha", de Almendra o algo así". Como integrantes de una nueva generación de rockeros, Escarcha cree que los nuevos grupos tienen mucho que aportar siempre y cuando se les deje demostrar lo que pueden hacer, sobre todo el público que parece ser reacio a asistir a las presentaciones de los que no son demasiado conocidos. Particularmente ellos sienten una diferencia con la generación anterior: "Nuestro grupo al menos no cree en la zapada, en la improvisación, confiamos en la trasmisión de los sentimientos a través de los temas concretos. Lo que tenemos que hacer arriba de un escenario es entregar algo terminado.
Escarcha - Simple (Talent - 1973)
En sintesis, jamás pudieron despegar y solo dejaron plasmados dos simples. Uno de sus últimos recitales fue el 26 y 27 de diciembre de 1975 en el teatro Astral, de Capital Federal, luego de ello Sáez, Darias y Racca suman la voz de Saúl Blanch y forman "Plus".

Disfruten de las descargas virulentos lectores!, y recuerden... QUEDATE EN CASA!!

domingo, 8 de marzo de 2020

Ingo fly free


Hoy, 8 de Marzo de 2020 se cumplen 25 años de la trágica muerte de Ingo Schwichtenberg. Todavía recuerdo cuando me enteré de la noticia. Recuerdo por donde estaba exactamente caminando y vino un amigo a contarme, quedé petrificado!
Las muertes siempre son tristes, Ingo no fué mi amigo ni mucho menos, pero sentía y aún siento una especial empatía hacia su persona. Siempre pienso que lo llevó a cometer algo tan drástico, mas allá de su esquizofrenia y el no soportar haber sido echado de su amado Helloween... siempre hay algo mas.
Hoy, en conmemoración de su aniversario de muerte, es que la propia familia de Ingo lanzó una página web relacionada a su vida personal, y legado, con muchas cosas interesantes y que prometen.

Espero que la disfruten tanto como la estoy disfrutando yo. https://www.ingoschwichtenberg.com/

Por Ingo, por su legado... Ingo fly free!

domingo, 16 de febrero de 2020

All Ill ‎– Symbols Of Involution (1999)

Hoy navegando un poco por internet encontré este álbum de una banda Hardcore con condimentos Grindcore, que me recordó por momentos a los primeros Napalm Death (salvando las distancias). Parecen ser de Barcelona, y como me gustó mucho el álbum, y hace bastante que no comparto ninguna descarga... acá va! DWNLD

All Ill ‎– Symbols Of Involution (1999)


jueves, 13 de febrero de 2020

Vida y muerte de Cliff Burton

Hace unos meses decidí comprarme el libro "To live is to die - Vida y muerte de Cliff Burton" y de verdad que es muy interesante de leer, por mas que al igual que yo, conozcas como sucedieron los hechos de su paso por Metallica.
Narra de forma bastante entretenida sus comienzos con el bajo, un poco de historia de su anterior banda Trauma, y como dió con Metallica. Incluso ahonda un poco en su amistad con Jim Martin, quien fuera guitarrista de Faith no More.
El libro esta dividido en capítulos, titulados por fechas y por nombre de los álbumes editados.
Se hace un poco tedioso el tema cuando describen a Cliff muchas personalidades y desconocidos absolutos y el autor no resume en ningún momento, y cada 14 palabras podemos leer una y otra vez :-Cliff era un chico bastante introvertido y tranquilo, vestía siempre pantalones Oxford, tenía una personalidad aplastante en escena y bla bla bla.
Que esta Ok que se nombren esos atributos un par de veces, pero no era necesario escribir al pie de la letra los mismos comentarios que hacían todos los entrevistados.
Muy interesante resultará para aquellos que tengan una noción de teoría musical las partes donde se analizan las canciones. No desaprovechen esa lectura!

Me queda claro luego de culminar la lectura (que no me llevó mas de 2 días), que el espíritu de la música, el carisma en escena, y el poder de tomar decisiones varias... correspondía a Cliff. Cosa que ya sabía pero pude aseverarlo tangiblemente.
Metallica no hubiese sido Metallica sin Cliff, no hubiesen llegado a nada, en un principio la gente iba a verlo a el. El era lo único que interesaba arriba del escenario. El resto era decorado. James es un buen interprete de riffs, nada mas, Kirk no sobresale en guitarra y Lars... bueno. Lars hace lo que puede. Estas opiniones son opiniones propias y podrán no gustar, pero salvo que seas norcoreano... estamos en un país libre y puedo decir lo que me sale de las pelotas!.
Metallica llegó hasta donde llegó (27 de Septiembre de 1986) por las decisiones de Cliff, que quede claro, de ahí en adelante es pura inercia y otro tanto de maduración compositiva.

Si tienen la oportunidad lean este To live is to die, no se van a arrepentir!





viernes, 6 de diciembre de 2019

Pensamiento al pasar... y el "Nos vamos pero nos quedamos"

Un poco de quilombo se armó con esto de la noticia de que se esta preparando una super gira con Def Leppard, Poison y... Motley Crue.
El bardo principal se dió por el hecho de que Motley ya se había despedido de los escenarios con su The final tour que comenzó en Jul
io del año 2014 y finalizó en Diciembre de 2015, y resulta que ahora vuelven, por lo que The final tour no fué el tour final.
Vi una publicación en Facebook que compartía un link de no me acuerdo que músico que estaba indignado porque muchos fanáticos de los Crue estaban disgustados por esta reunión, y según este tipo, no pueden llamarse fanáticos esas personas, y tal afirmación me dejó pensando.
Entre otras cosas decía que uno en realidad tiene que sentirse dichoso de... ahora que recuerdo, creo que el que lo dijo fué alguno de los de Skid row.
En fin... retomo... que uno tenía que sentirse dichoso de poder ver nuevamente a la banda de sus amores, sin importar que se hayan despedido anteriormente.
Ok, sin pensar demasiado sobre el tema uno puede decir que tiene razón, pero momento! Quieto ahí!
La banda de mis amores es Iron Maiden, a distancias cósmicas de cualquier otra banda, y obviamente si transporto todo este tema a mi persona, debo linkearlos.
Supongamos que Maiden hacen una gira despedida por medio mundo, anunciando que se separan por X motivo y ese es su ultimo tour., yo los vería y me emocionaría por demás, ya que se que jamás podré volver a disfrutar tamaña banda en vivo. Porqué? porque todo lo que comienza, debe indiscutiblemente acabar en algún momento. Se anuncia como tal, y debe ser así.
Que pasa... luego de años Maiden vuelve, ... pero la puta no se habían separado? Y ahí está el problema señores, porque no puedo evitar sentirme engañado, y nada más ni nada menos que por la banda de mis amores (todo esto hipotético, porque es un supuesto). Y queda en segundo plano el tema de poder verlos nuevamente cuando creía que no, porque para mi... han perdido credibilidad. Y no podré evitar pensar que el tour final no fué otra cosa que para facturar más todavía con llenos totales de butacas.
Para mí es asi, y así me sentiría, y sería el primero en manifestar mi descontento con una reunión, porque aquella emoción del "último show" pasa a quedar como una ridiculez de la que he caído en la trampa.
Asi que entiendo el malestar de muchos fanáticos por la reunión de Motley, o de otras bandas. No olvidemos que el No more Tours de Ozzy se transformó en parte 1 y parte 2, y que Kiss se va a estar despidiendo de los escenarios hasta el 2021 (y que obvio ninguno de nosotros les cree) y que después de puteadas infinitas entre Ace y Peter con los otros dos boludos, siempre terminan juntándose a tocar en algún show.
Muerte a los que anuncian el último tour y después vuelven!!

lunes, 18 de noviembre de 2019

Todo tiene que ver con todo

Hace unos días, en el horario de descanso del trabajo salí a comer a la plaza de la esquina con dos compañeros, y entre las charlas sin sentido que surgen día a día comenté que Bruce Dickinson se estaba separando de la que fuera su mujer por muchos años, y que dividiría su fortuna de 60 millones de Libras esterlinas.
La charla se desvió para el lado de quién sería el músico con más plata. Luego de una rápida búsqueda por internet nos enteramos que Andrew Lloyd Webber es la personalidad de la música mas acaudalado. Desconozco si será verdad o no, y voy a buscarlo ahora, pero el tema es que se me vino a la cabeza este compositor, ya que amo su obra musical Evita. Quedé fascinado con ella cuando se estrenó aquí en Buenos Aires la película protagonizada por Madonna, que de hecho fuí a ver la al cine dos veces!
Pasaron los días y hoy navegando por YouTube dí con un Youtuber que analiza canciones y las "desmenuza" de forma espectacular.
Uno de sus videos estaba dedicado a Camilo Sesto y el tema Getsemaní que interpreta en la Opera Rock Jesucristo Superstar, en su versión en castellano, que dicha Ópera es de ...... Andrew Lloyd Webber. Y así di con Andrew nuevamente!
El análisis que se hizo de este tema cantado por Sesto me hizo descubrir la tremenda versatilidad de su voz, e indagando un poco mas por internet me entero de que antes de su estreno en Broadway y el West End, Jesucristo Superstar fue grabado en forma de álbum conceptual con Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena. En el disco también tomaron parte Mike d'Abo (líder de Manfred Mann) como Herodes y el cantante de glam rock Gary Glitter (acreditado como Paul Raven) en el papel de uno de los sacerdotes, además de una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos de rock.
La grabación salió a la venta en 1970 y consiguió llegar al primer puesto del Billboard en dos ocasiones. Las canciones "Superstar" (interpretada por Murray Head y The Trinidad Singers) y "I Don't Know How to Love Him" (interpretada por Yvonne Elliman) fueron publicadas como singles y se convirtieron en éxitos.
Todo tiene que ver con todo, Camilo Sesto y Ian Gillan, con Evita y mi horario de almuerzo!
Ahora mismo estoy escuchando lo grabado por Gillan y el resto, para luego pasar a escuchar la versión en español de Camilo Sesto.


sábado, 16 de noviembre de 2019

Abbath y el show que no fué


El pasado 13 de Noviembre Ababth se hacía presente en Buenos Aires en el marco de la presentación de su último trabajo "Outstrider".
El tema es que de por si todo arranco de mal en peor.
Todo se demoró mas de 2 horas. las bandas soporte tuvieron que acotar su show solo a unos cuantos minutos.
Parece que Don Abbath se estuvo peleando un rato largo con su segundo guitarrista tras bastidores, y tal es así que don segunda viola se fué encabronado al hotel y dijo :-Yo no toco nada!
Pero nada detiene a Don Abbath, y salió a escena sin su guitarrista. El tema es que estaba completamente borracho, y trato de tocar el primer tema "Count the dead" aproximadamente 4 veces, y en medio de cada intento tiraba la guitarra y se arrojaba al público, entre morisquetas y demás.
Conclusión: El show del noruego duro 2:25 minutos de reloj. No toco un solo tema completo y se bajo a llanto partido del escenario.
Yo no fui a verlo pero si hubiese pagado la entrada estaría sumamente molesto!
No hay duda que el tipo tiene problemas con el alcohol, y de hecho luego de este show truncado se retiro a su Noruega natal cancelando su tour Sudamericano.
Por un lado me da rabia la poca profesionalidad de Abbath, pero por otro no hay que desconocer el hecho de que es un alcoholico y necesita tratamiento, y su llanto (mas allá de estar mezclado con alcohol) no deja denotar arrepentimiento y tristeza por tan decadente comportamiento.

Ojalá que de en una anécdota y pueda recuperarse completamente. Siempre me cayo bien Abbath.

P.D.: Lo que tomaron en camarines fue Michel Torino (para quién no sepa es uno de los vinos mas baratos de la Argentina, y literalmente es lo más parecido a alcohol de quemar con gusto a uva).
Ahora... quién fué el hijo de puta que les compró ese vino??!!!

fotos: Andres Violante




miércoles, 6 de noviembre de 2019

El gran descubridor: Hoy "Stälker"


Surfeando por las profundas aguas de Spotify, mientras escuchaba el excelente disco de mis amigos Lies of Smiles fùe que me topè con los Stälker.
Directamente desde Nueva Zelanda nos ofrecen un speed metal puramente ochentoso, lo mires desde donde lo mires.
Comenzando con la portada (una mano de lo que parecería una bestia satánica, brotando directamente desde un pantano de lava y sosteniendo una espada al mejor estilo Excalibur). Hay algo mas "metal" que eso? si... el sonido de este "Shadow of the Sword"del año 2017 es exquisitamente almíbar para el oído metalero clásico.

La voz de Daif King es tan aguda como gloriosa, y lo que hace Chris Calavrias con la guitarra es preciso, potente y devastador!. Una catarata de riffs. Y Nick Oakes no se queda atrás con la batería.

Un debut que promete mucho más, y que de seguro no hay que perder de vista.
Amo estas bandas que traen lo mejor de los gloriosos años pasados del metal al día de hoy.
No podría recomendar un tema específico porque sería injusto con el resto de la placa, este "Shadow of the Sword" es para escuchar de principio a fin... varias veces.
Fácil de asimilar y complejo técnicamente hablando.
Ah... algo todavía más metalero? si... los títulos de los tracks! Basta con nombrar 3 de ellos te darás una idea de que va todo esto: "Total Annihilation", "Satanic Panic", "Master of Mayhem". Seguramente nombres poco craneados y carentes de novedad, pero efectivos para el amante del Heavy Metal!
Cover de Death del tema "Evil Dead" .

sábado, 2 de noviembre de 2019

El Beguine me transporta

Porque no todo es Rock en la vida, hoy escuche un álbum de Beguine, que me transporta! Para el que no sepa que es el Beguine, les paso a explicar brevemente.
El beguine es un ritmo y un baile, semejante a una rumba lenta, que fue popular en los años 1930. Es originario de las islas Guadalupe y Martinica. Es una fusión de ritmos locales, latinos y franceses y era tocado en lugares bailables. De allí se exportó a París.
El ritmo se popularizó mundialmente cuando Cole Porter escribió la canción Begin the Beguine. La canción fue incluida en el musical "Jubilee" (1935) de Porter. Este declaró que había escuchado el ritmo a una banda martiniquesa en un café-concert de París. Entonces bautizó el ritmo como una "rumba calipso", pero más tarde aseguró que se llamaba bel-air de la lune.

En 1938 Artie Shaw y su Orquesta alcanzaron el tercer puesto de popularidad con una versión orquestal en ritmo de swing. Entonces, MGM sacó la película musical "Broadway Melody of 1940" en que Fred Astaire y Eleanor Powell bailaban "Begin the beguine".
El segundo beguine más famoso es "Beneath The Southern Cross" escrito hacia 1952 por Richard Rodgers para la banda sonora la serie televisiva "Victory at Sea". Rogers y Oscar Hammerstein II utilizaron luego esta misma melodía de beguine para la canción "No Other Love" del musical "Me and Juliet".
Elvis Presley registró su propia canción en 1962 basada en la canción de Cole Porter "You'll Be Gone". En 1998 el título fue tomado para una película de romántica dirigida por Raymond DeFelitta que protagonizó Elijah Wood.

Pero mas allá de esto, mi fascinación por este ritmo no es solo que me pone de muy buen humor, sino que me transporta a aquellas islas de donde proviene, y que en algún momento de mi vida visitaré.

El Beguine es como esas músicas “mulatas” de América que mantuvieron comunicación constante con las africanas. Frecuentemente descrito como un calipso-rumba, surgió (como el calipso, la plena, los choros o la milonga) en la transición del siglo XIX al siglo XX y siguió una historia similar a la de estos géneros.
Las primeras grabaciones de beguine se hicieron en 1929 en París, y poco después este ritmo alcanzó una amplia difusión internacional con las big-bands de Nueva York

Lo que estuve escuchando fué el álbum Souvenir de la Martinique de Hurard Coppet, que por Dior, es dificilísimo encontrar info sobre este clarinetista!
Una belleza de principio a fin!
Si no conoces el Beguine te lo dejo en Spotify para que lo descubras.
Querés bajartelo? OK

sábado, 26 de octubre de 2019

Lo que estuve escuchando #1 (Parte 2)

Finalmente y luego de bastante tiempo, subí la segunda parte de "lo que estuve escuchando" a mi canal de Youtube.

A nadie que esté en su sano juicio le puede interesar que escucho o dejo de escuchar, lo se, pero como me gusta grabar cada tanto un resumen de las copias físicas que han sonado en casa... lo hago.

Primera parte aquí









lunes, 21 de octubre de 2019

Pensamiento al pasar... y esas bandas de las que uno se va olvidando


Muchas veces me pasa que hay bandas que escuche en su momento y pasados los años me olvidé completamente que existían o existieron, y hoy me paso con The Almighty.
Recuerdo haber escuchado de ellos en la tele, seguramente en el programa Power30 de Much Music o en el Headbanger ball de MTV a través de algún que otro video.
Hoy me reencontré con ellos por la aplicación Spotify, y se me vino a la cabeza que incluso los vi en vivo, teloneando a Megadeth aquí en Argentina en el año 1994, cuando la banda del colorado se presentaba por vez primera (si mal no recuerdo) en el pais, en el marco de la gira de Youthanasia.
De la presentaciòn de The Almighty recuerdo algunas canciones muy vagamente, y también la mala onda que tenía el bajista porque se le entrecortaba el sonido del bajo, incluso un par de veces amagó con revolearlo!
Lo que no tenía en los recuerdos es que tienen mucha influencia, y raíces punks. Acabo de escuchar el homónimo séptimo album editado en 2000 y tiene muy buen sonido!
A reencontrarnos con The Almighty!

jueves, 17 de octubre de 2019

50.000 almas para La Doncella!


El Sabado pasado fui a ver en vivo por (creo) décima vez a la banda de mis amores... Iron Maiden!
Tocaron en el estadio Velez Sarsfield y asistí con mi mujer y mi hermana. A mi mujer ya la había llevado conmigo en 2 oportunidades más y a mi hermana 1 vez más.
Porque? porque amo que la gente descubra lo que es un show de la doncella. Y que si bien no son fanáticas como yo, quiero que sientan como la potencia de lo que dan en escena retumba en el interior de cada uno.
Es que Maiden enamora, y verlos en vivo más aún.
Y me sigo sorprendiendo como se superan una y otra vez en cada tour, como suben de nivel constantemente.
La noche estaba que se caía el cielo, pero por suerte paró de llover unas horas antes de que los británicos pisaran el escenario.
La banda que abrió a las 18:45 fué la local Serpentor, sonido fuerte e interpretaciones prolijas, pero no fué algo que me partió el marulo. Siguieron a las 19:30 Hs The Raven Age, la banda del hijo de Steve Harris, George.
Ya los había visto otra vez y la verdad que son excelentes músicos, y los temas casi todos son geniales, pero bueno, mas allá de eso nunca los he escuchado, asi que en los próximos días voy a ver si me pongo con Spotify a eso.
Atrasados 20 minutos aprox. llegó Maiden y ya nada fué igual!
Una emoción escuchar "Where eagles dare" y "Flight of Icarus"! El clásico arranque de la ya mítica World slavery Tour 84/85 con el discurso de Churchill y "Aces High" te pone la piel de gallina!
Me canté, o mejor dicho grité como nunca antes lo había hecho en algún concierto, me quedé casi sin voz! Y en el final... con mi tema favorito de todos los tiempos "Run to the hills", no puede evitar que se me cayeran un par de lágrimas de la emoción!
Luces, fuego y música de alto nivel para la noche del Sábado 12 de Octubre del año 2019... otra fecha que quedó marcada en mi memoria.
Es que como dije hace unos renglones atrás... Maiden enamora!

Dios salve a la doncella!
LISTA DE TEMAS
1.- Aces High
2.- Where Eagles Dare
3.- 2 Minutes To Midnight
4.- The Clansman
5.- The Trooper
6.- Revelations
7.- For The Greater Good Of God
8.- The Wicker Man
9.- Sign Of The Cross
10.- Flight Of Icarus
11.- Fear Of The Dark
12.- The Number Of The Beast
13.- Iron Maiden

ENCORE:

14.- The Evil That Men Do
15.- Hallowed Be Thy Name
16.- Run To The Hills

Luego de aquí partían para Chile a hacer los últimos 2 shows del tour, y luego... a esperar un nuevo album!