martes, 16 de junio de 2020

Los Guarros!


Digamos que siempre tuve una debilidad genuina por Los Guarros, el proyecto formado allá por el año 1988 por Javier Calamaro y Daniel "Gitano" Herrera.
En 1988, Javier Calamaro el menor de los dos hermanos Calamaro varones, decide disolver El Corte, su anterior banda, debido a que uno de sus integrantes, Hernán Reyna, se radica en Alemania.
Ese mismo año se encuentra con el guitarrista Daniel "Gitano" Herrera y deciden formar una banda de rock duro llamada Los Guarros, acompañados por Daniel Castro en bajo, Andrea Álvarez en percusión, Daniel Ávila en batería y Karina Brossio en teclado.
En 1989 graban su álbum debut: “Prostitución y Vagancia" por "El Cielito Records". En subsiguiente en 1990 editan “Rosas En Tu Pecho”, obteniendo mayor repercusión.
Ese año cambia la formación: Javier Calamaro en guitarra y voz, Gitano Herrera en guitarra y coros, Pablo Duchovny en teclado, Marcelo Mira en batería, Zurdo Alaguibe en percusión y Daniel Castro en bajo.
En 1991 el nuevo grupo graba el álbum homónimo, editado por "Radio Trìpoli", el que les dio mayor reconocimiento, incluyendo el hit “Vamos A la Ruta”, y les valió en 1992 las aperturas de los conciertos en Argentina de Guns N’ Roses, Brian May y Joe Cocker.
En 1993 llega “Veneno”. Vuelven a abrir el show de Guns N’ Roses en Argentina.
En 1994 lanzan un grandes éxitos titulado “Acústico y Rock ‘N’ Roll”.
En 1996 sale a la venta “Pampas Lisérgicas”, álbum que marcaría el fin de la banda. Javier Calamaro comienza su carrera en solitario y Gitano Herrera se muda a Estados Unidos.

Líricamente la banda no sobresale en absoluto, bien hacen honor a su nombre con frases tan poéticas y de verso complejo como "Eso que tenes entre las piernas, me está llamando" , "Yo te digo, abrí la boca tragala" , "Vas corriendo detrás de un billete, tanto whisky putas y merca" , "Hoy vamos a hacer una fiesta negra". 
Vamos que hemos leído cosas peores de la mano de Cannibal Corpse, pero estas letras no dejan de sonar un poco ridículas, incluso la portada de su debut, donde Javier Calamaro y El Gitano se encuentran en la puerta de un albergue transitorio con cara de niños malos buscando problemas y mientras este último le está tocando el culo a una prostituta. O sea... en serio???

Pero bueno, es una característica de la banda y lo que realmente me importa es la música, que de verdad es muy completa y como grupo suenan compactos, con identidad propia. La guitarra del Gitano la podes escuchar en alguna zapada y reconocerías que es él quién la toca! Y sobresale también en todos sus albumes el trabajo de percusión.

En 2016 la banda se reúne luego de una pausa de 20 años, con su formación clásica: Javier Calamaro en voz, Daniel "Gitano" Herrera en guitarras, Marcelo Mira en batería, Daniel Castro en bajo y Daniel "Zurdo" Alaguibe en percusión y dan un concierto en el marco de “La Noche de la Música”, en el Rosedal de Palermo de la capital argentina, y anuncian álbum para 2017.

En una entrevista a Infobae en el año 2017 y a punto de editar su nuevo album llamado "7", comentan:

- Hicimos un discazo y  lo presentamos el 10 de noviembre en el Gran Rivadavia. El disco físico está saliendo ahora y en vinilo en febrero. Mientras tanto no vamos a tomarnos un verano de descanso, sino un verano de descanso y guarradas.
-Cuando empezamos a grabar, seleccionar un repertorio no era fácil porque en los seis discos de Los Guarros había una cantidad de temas buenísimos. Agarramos los que consideramos mejores, los que más nos gustaban, y empezamos a trabajar sobre eso, como si la banda la hubiésemos formado en el 2017. O sea, (dijimos) "tenemos esta composición, tenemos estos temas, vamos a llevarlos al lugar que más nos guste". Y cambiaron mucho.
-En realidad es bastante más fácil de lo que parece porque yo creo que si no hubiésemos dejado de tocar estos 20 años, estaríamos sonando bastante parecido, seguramente porque es una evolución que fue pasando. El tema de las letras es lo que más intacto quedó porque estaba muy bueno de la manera que eran, y siguen diciendo algo muy bueno. Fue algo que me impresionó porque leía muchas de las letras de Los Guarros después de 20 años y me parecían más actuales que nunca. Eso quedó. Y lo demás, el sonido, como que lo aggiornamos.
-En el disco hay tres temas nuevos con una dirección que es muy clara: tiene que ver justamente con lo que aprendimos, con el sentido de la vida, con vivir sin miedo, con varias cosas que tienen que ver con los conflictos que tenemos todos en esta época. Qué hacemos con tanta información, cómo tamizamos eso y cómo lo usamos para nuestro provecho y no para que eso nos queme la cabeza. Eso de decir: "Huy, yo quiero retocar mi foto de perfil de Facebook,"y todas esas boludeces. Para eso sirve haber vivido, para decirle algo al resto del mundo que por ahí sabe, que por ahí no, y para eso usamos las canciones nuevas, que para mi gusto son las mejores.

Si nunca los escuchaste te recomiendo que le pegues una oida a los temas "Pampas lisérgicas" (mi favorito lejos),  "No te metas en mi vida", o "Te de Cactus", solo por nombrar algunas.

jueves, 4 de junio de 2020

Radio Trípoli Discos

Hace un tiempo atrás hablé de algunos sellos discográficos argentinos, y me habia quedado en el tintero tocar el tema de Radio Trípoli Discos.
Radio Trípoli Discos, a partir de 1992 Trípoli Discos, es una compañía discográfica independiente de Argentina, fundada en 1988 por Sergio Fasanelli y Walter Kolm. Lo que desconozco en parte es si actualmente sigue activa como sello discográfico. Para mi cesaron actividades en 1994, pero en algún que otro foro hay algunos que dice que siguen, cosa que dudo.

Si hay un sello que fue importantísimo en la escena under argenta es Trípoli, precursora de la segunda ola punk en Argentina de finales de los '80 impulsando a varios grupos a lanzar sus primeras grabaciones. Muchos grupos importantes de la escena rock argentino consiguieron sus primeras grabaciones oficiales, tales como Sentimiento Incontrolable, Massacre Palestina (hoy Massacre), Javier Calamaro, Los Auténticos Decadentes, Los Visitantes, Bersuit Vergarabat, Memphis la Blusera o Hermética, Perfectos Idiotas (hoy Karamelo Santo) y Comando Suicida, entre otros.
Trípoli llegó a ser el sello que le dio una nueva identidad a una cantidad de bandas que estaban transitando por el under de Buenos Aires de finales de los 80 y principios de los 90. Le brindó las posibilidades a muchas bandas, entre ellas Attaque 77 y Flema, de hacerse conocidas para luego despegar por su cuenta. Luego de la "explosión punk" a fines de la década de 1980, el sello se dedicó a producir a bandas de géneros diferentes y a publicar álbumes de músicos y bandas extranjeras.
El puntapié inicial, lo tomaron otros sellos independientes que sumarían a sus filas a muchas de las bandas promovidas por Trípoli inicialmente. El sello continuó editando discos en forma muy selecta de material que llegaba a través de sus productores artísticos. Lo que nunca entenderé a ciencia cierta, es como llegaron a fichar al Teto Medina o Brigada cola entre sus lanzamientos.
Pero mejor pasar por alto eso, y centrarnos en que fueron los encargados de reeditar en cd los discos de V8 en el año 1992, y varios álbumes de Sepultura. Contamos también a los Gatos sucios y Los guarros entre otros. Y como no... mis amados Hermética!. Si hay algo que me arrepiento en la vida es haber vendido el debut y Ácido Argentino, (ambas primeras ediciones de Trípoli), para costear parte de mi viaje a España en el año 2002. Pero lamentablemente otra no me quedó.
No pude volver a conseguirlos en primeras ediciones. Oportunidades no faltaron, pero me resisto a pagar sumas ridículas de algunos especuladores que piensas salvar su año con esos precios. Ya aparecerá alguno con los pies sobre la tierra. Ojo, se que no son copias baratas pero tampoco es material inconseguible como para barajar esos montos.

Volviendo al tema, sin duda un punto de quiebre importante en la escena under fue el compilado que editó Tripoli llamado "Invasión 88", el primer compilado punk de la historia local!.
Invasión 88 se presentó el Viernes 16 de diciembre de ese año, en Cemento, y en el tocaron todas las bandas incluidas en el compilado. Se fabricaron 3 mil copias en vinilo claro, y también aparecieron ediciones en cassette y VHS e incluía bandas como Los Laxantes, Ataque 77, División Autista, Flema, Comando Suicida, Rigidez Kadaverika entre otros.

Con respecto a Invasión 88, Mariano de Ataque 77 dijo en una entrevista con el "Suplemento No" de Pagina 12:-
- ¿Cómo fue la conexión con Radio Trípoli?
Mariano: - Nosotros habíamos grabado un casete en un par de ensayos de cada banda y lo habíamos dejado en algunas disquerías. Ellos lo escucharon y les gustó Defensa y Justicia: estaban encaprichados con sacar el disco de esa banda. En un show de Defensa, en Gracias Nena, ellos fueron y nos hablaron de que estaban sacando los discos simples de Comando Suicida y Sentimiento Incontrolable.
Nos ofrecieron salir en el compilado y nosotros les dijimos que pusieran también a Attaque, pero ellos no querían saber nada. Después estuvieron persiguiéndonos un año más para que grabáramos el disco de Attaque, porque nosotros mucho no queríamos. Pero nos invitaban a comer, nos traían bebidas todos los días... y nos convencieron (risas).

Mucha historia guarda Trípoli Discos, lo importante es no olvidarla.

sábado, 2 de mayo de 2020

Ensalada de cerebro y un poco de desilusión ante la cirujía


Hoy fué la primera vez que escucho el tantas veces aclamado Brain salad surgery de los Emerson Lake and Palmer. Si, hoy recién fue mi primera vez con este álbum. Y muchos podrán pensar... recién? Así es.
Hay tantas pero tantas cosas para escuchar, que obviamente se te pueden escapar muchos clásicos que luego de años y años de mamar cultura musical, dejas relegado para mas adelante, hasta que llega el momento... tarde pero seguro.
La verdad, tan aclamado fue y aún hoy es objeto de culto este Brain salad surgery, que quizás mi vara estaba demasiado alta, y en parte fue dura la caída!
Quizás el último gran álbum del trío? No lo creo, seguro uno de los más aplaudidos.
Se publicó en 1973 bajo su propio sello discográfico Manticore Records, y Greg Lake compuso todas las letras con la ayuda de Peter Sinfield.
No puedo dudar de la gran versatilidad y talento como músicos de estos ñatos, pero es que no me sorprendió en lo mas mínimo! Esperaba algo grandilocuente, majestuoso, y la verdad no escuché otra cosa que no haya escuchado en infinitas bandas progresivas oscuras de Italia o Francia, para serles honestos.
No esta nada mal, pero me quedó gusto a poco.

“Ese disco marcó algo muy importante en mi vida, en mi mente ese álbum es el número uno. No solo fue muy popular sino que además, en mi caso, marcó un tope, fue un disco con el verdadero espíritu del grupo. [Carl Palmer]”

Tras la publicación del brillante Trilogy, su anterior trabajo, que fue grabado en las entonces novedosas mesas de 24 pistas, lo cual supuso que hubiera gran cantidad de sonidos sobrepuestos, se decidió componer un trabajo para que fuese posible tocarlo en directo sin necesidad de sonidos pregrabados. Para ello se compró un cine en Fulham, Londres, y se compuso todo en directo para poder representarlo en formato de trío sin ningún tipo de añadido sonoro.

“Lo que realmente sucedió fue que acabábamos de grabar Trilogy y no podíamos representar en vivo mucho de su material por tantos sonidos superpuestos que no podíamos recrear fielmente en formato de trío en un escenario. Así que lo que decidimos hacer en nuestro siguiente trabajo fue un disco en vivo en primer lugar, de tal modo que luego lo pudiésemos tocar sin dificultades técnicas. En realidad, y esto puede parecer terriblemente extravagante, compramos un cine y quitamos todas las butacas. Montamos todo el equipo en el escenario y empezamos a componer el álbum”.

Para ello, y debido al interés creciente de Keith Emerson en los nuevos sintetizadores, Moog Music desarrolló el primer módulo polifónico que se utilizó para la grabación del álbum junto a dos secuenciadores Moog 960, analógicos, que se integraron en el Modular IIIc que también se utilizaría, desde entonces, en los conciertos en directo.
También Carl Palmer, tras la gira Get Me a Ladder, tomó clases de timbales en la Guildhall School of Music & Drama y aumentó su set percusivo incluyendo timbales, gongs y uno de los primeros instrumentos de sintetizadores de percusión.
Esto indudablemente tiene un mérito tremendo y un indiscutible vanguardismo para la época, pero resulta que para mi, hoy no sorprende.

La placa abre con una adaptación del himno de Hubert Parry con letras del poeta William Blake.
Sigue con una pieza instrumental basada en el cuarto movimiento del Primer Concierto para Piano de Alberto Ginastera. Ok, aca se incluyó una sección de percusión en la que Carl Palmer utilizó la nueva tecnología de sintetizador adaptada a la batería.
Combinamos esto con una balada, y luego “Benny the Bouncer” que es la última composición de la serie sobre el Viejo Oeste, que dice poco.
“Karn Evil 9”: la composición más extensa del disco, dividida en tres secciones o impresiones, con un trasunto conceptual sobre lo que acaece después de una guerra para pasar al relato de un maestro de ceremonias que presenta al público todo lo que se puede observar en una ceremonia circense hipotética. Y aquí estoy ante el punto más interesante del álbum, que no es menos, compositivamente es una obra tremenda y muy bien interpretada, pero la segunda impresión es instrumental que incluye el calipso “St. Thomas” de Sonny Rollins y material reelaborado del primero de los Valses de Mefisto de Liszt: “Den Tanz in der Dorfschenke”.
A que voy hasta ahora? La placa abre con una adaptación tradicional, sigue con algo basado en en un movimiento de concierto de Ginastera, una balada normalita, un cuarto track que no dice nada y justo cuando se viene lo mejor... en el medio hay otra llamada a alguna otra composición de un tercero? Vamos!!! Es que no tenían material?
Esto a mi gusto resta valor, lo lamento! Siempre preferí los discos que tienen material propio y original de la banda, sin adaptaciones, cover y demás aditamentos, y no esperaba esto de ELP sinceramente.
El disco esta bien, reitero, no es un mal trabajo para nada, y se deja escuchar e incluso lo escuché varias veces y es muy entretenido, pero voy a que esperaba mucho mas.
La portada del disco corrió a cargo de Hans Ruedi Giger, que dibujó una de las imágenes más memorables, e inquietantes, de su tiempo. Se puede observar su técnica biomecánica monocroma y bla bla bla...

sábado, 25 de abril de 2020

Nuevo Instagram


Acabo de inaugurar un nuevo canal de Instagram para este Blog @kriteria.radial 
La idea es ir subiendo diferentes fotografías siempre referidas al mundo de la música. Curiosidades, fotos de cd's y vinilos de mi colección o de cualquiera que quiera enviarme si consideras que sea una edición curiosa, rara o simplemente te sientas orgulloso de poseer (también incluiré tu usuario de Instagram arrobado).
En definitiva todo lo referido al maravilloso mundo de la música.
En la medida que se pueda y al final de todo este caos con el Covid-19 la idea es organizar diferentes sorteos de material entre los seguidores de la cuenta.

Hasta pronto!


sábado, 18 de abril de 2020

Hagar Schon Aaronson Shrieve


Hagar Schon Aaronson Shrieve (también conocida como HSAS) fue una banda conformada por el cantante Sammy Hagar (Montrose, Van halen), el guitarrista Neal Schon (Journey), el bajista Kenny Aaronson (Dust, Blue Oyster Cult, Michael Monroe)  y el baterista Michael Shrieve (Santana). El proyecto fue de muy corta duración, lanzando únicamente el disco Through the Fire. El álbum incluye una versión de la canción de Procol Harum "A Whiter Shade of Pale". Alcanzó la posición No. 94 en la lista Billboard Hot 100.​

La banda realizó algunos conciertos en California en 1984, incluyendo al guitarrista rítmico Nick Sciorsci para alguna de las presentaciones en vivo.

Cuando dí con esta super banda fué por el video en Youtube en vivo, del tema "Missing you", y quedé fascinado.
Y todo el album no está nada mal. Me resulta muy entretenido, con fuerza y automáticamente me dejó con ganas de más. Y siempre pienso que esta super agrupación habría tenido un excelente futuro si hubiesen continuado. Una pena que eso no ocurriera.

Dejo el tema en vivo en cuestión, este video es el que más me gusta, y la razón es porque es la toma original, después hay otro como restaurado pero mecha tomas que se nota que son de otros momentos del recital, asi que prefiero esta.
A mi gusto mejor versión que la del L.P.
La voz de Sammy en vivo es impoluta... impecable! y suenan como si fuesen 6 músicos!
Hermoso tema, gran letra y alucinante el puente de la canción!

Y les regalo también el DWNLD


Missing you (Sammy Hagar / Neal Schon)

I remember the first time
And I remember the last
I can't forget the good times, baby
Why have they gone so fast
And I'll always remember
How good you make me feel
Yes, and I always thought if you left me, huh
Well it was no big deal
But its hard to describe how I'm missing you
Girl I'm not tryin' to hide I've been missing you
Everyday
We had big plans
But they kinda fell through
Now for the rest of my life, babe
I'll be missing you
Sometimes I feel so empty
Like there's a hole inside
And I can't forget you baby
God knows I've tried
But it's hard to describe how I'm missing you
Girl I'm not trying to hide, I've been missing you
When you look in my eyes, you'll see I'm missing you, yeah
Well turn your back and walk away
But just don't hang up on me that way
And understand that we did the best we could, oh
And if I could have you, you know that I would
'Cause girl, I've been missing you
Yeah, yeah, well turn your back and walk away, baby
But just don't hang up on me that way, no
And understand that we did the best we could, oh
And if I could have you, you know I would
Girl, I've been missing you
I've been missing you, woah
Missing you
Yeah, I've been missing you, missing you
And I'm not trying to hide
I've been missing you

domingo, 12 de abril de 2020

Un pasaje a Rodesia


No temo decir que no he escuchado absolutamente nada de Rome, salvo este A Passage to Rhodesia. Ya llegará el momento de descubrir alguno de sus otros tantos albumes.
Rhodesia, conocida oficialmente entre 1970 y 1979 como República de Rodesia fue un estado no reconocido que existió en el sur de África entre 1965 y 1979, en la actual República de Zimbabwe, y se consideraba estado sucesor de facto de la ex-colonia británica de Rodesia del Sur.
Tras la disolución de la Federación de Rodesia y Nyasalandia, en 1963, el gobierno de la minoría blanca (que representaba un 5% de la población de la colonia para ese entonces), liderado por Ian Smith, en un esfuerzo por retrasar una transición inmediata a un gobierno de la mayoría negra, declaró unilateralmente su independencia el 11 de noviembre de 1965. La administración de Smith solicitó inicialmente el reconocimiento como Reino de la Mancomunidad Británica de Naciones con Isabel II del Reino Unido como jefe de estado bajo el título Reina de Rodesia. Sin embargo, en 1970, en un fallido intento de ganar reconocimiento internacional, se declaró la República de Rodesia, con un Presidente como jefe de estado y un Primer Ministro como jefe de gobierno.

Después de una encarnizada guerra de guerrillas entre el gobierno de Rodesia y las organizaciones nacionalistas comunistas africanas, como la ZANU de Robert Mugabe y ZAPU de Joshua Nkomo, Ian Smith aceptó una democracia birracial en 1978. Sin embargo, el gobierno provisional, todavía encabezado por Smith y su compañero moderado Abel Muzorewa falló en apaciguar las críticas internacionales y en detener el derramamiento de sangre. El 12 de diciembre de 1979, el gobierno rodesiano devolvió la administración al Reino Unido en lo que se celebraban elecciones democráticas bajo sufragio universal. Tras la victoria del ZANU, el gobierno británico reconoció la independencia de la colonia bajo el nombre de República de Zimbabwe.
Basicamente y resumiendo, los pocos blancos que quedaban en la parte sur fueron echados a patadas y así los negros recuperaron su tan ansiada independencia.

Volviendo a Rome, es una banda de neofolk oriunda de Luxemburgo fundada en noviembre de 2005. Está compuesta por el escritor y compositor Jérôme Reuter.
Posee un buen número de álbumes editados, y este A Passage to Rhodesia data del año 2014.
Realmente me he sentido conmovido por tamaña muestra de buen gusto a la hora de las melodías. Y suma sobremanera conocer un poco del trasfondo de la República de Rhodesia mientras se escucha siguiendo las letras.
Lo interesante es que Reuter se aparta en este disco de la "locación compositiva" que venía centrada en Europa, (según he investigado parece que su temática compositiva siempre ha estado relacionada con Europa), para viajar a África, pero solo en parte, ya que Rhodesia era una colonia Británica.
Las tierras de Rhodesia le pertenecieron alguna vez? ... pues no, solo a la fuerza, y así han terminado.

Reuter crea un cierto dilema moral que a algunos perturba, pero es tratado con una solemne maestría lírica y belleza sonora. A Passage to Rhodesia invita minimamente a que reflexiones a través de los hechos acaecidos en dicho país.
Melancólico, bello, y repleto de toques que me han abrumado el corazón. No se si será mucho, pero realmente me parece una placa bellísima!

Puedes escuchar un tema de este A Passage to Rhodesia en el segundo programa de Kriteria Radio Show, cliqueando aquí.



lunes, 6 de abril de 2020

Mi eterno agradecimiento a Damian Wilson

Belleza indiscutible, tanta que apabulla. Duele en el alma... a veces.
Damian Wilson es quizás uno de los últimos artistas que a través de un estilo clásico, alejado del pop y del rock, puede crear melodías tan personales como sus canciones.
Ya desde Cosmas quedó grabado en mi corazón la magnitud con la que compone, y la facilidad latente que tiene en crear simpleza tan delicada.
Sueno exagerado?

Aquí dejo su último E.P. 'Thank You'. Editado el 11 de Octubre de 2019, en su 50 cumpleaños. El EP presenta 5 canciones arregladas para piano, violín y violonchelo.
Producido por Andrew Holdsworth, es el regreso de Damian a un enfoque más clásico, grabando solo con piano y orquesta de cuerda, como Damian y Andrew hicieron con Just The Way It Goes hace más de 20 años.


"El proceso de grabación tenía quizás más en común con una sesión clásica que con un pop tradicional. El tiempo y la dinámica de estas pistas son muy expresivos; no hubo pistas con edición. Creo que este EP contiene algo de la música más mágica que Damian y yo alguna vez hemos hecho juntos ".
- Andrew Holdsworth, agosto de 2019 -


miércoles, 1 de abril de 2020

Anacrusis - Manic Impressions


Infinidad de bandas son las que, a pesar de poseer talento compositivo, creativo y determinación, quedan relegadas al grupo del montón, de relleno, sin alcanzar jamás un ápice de gloria.
Este es el caso de los americanos Anacrusis.
El disco que acabo de escuchar es su tercera placa, titulada Manic Impressions.
La verdad me llevé una grata sorpresa, ya que si bien data del año 1991, soportó muy bien el avance del tiempo. Me refiero a que suena bien 90's, pero al poseer una exquisita mezcla del thrash ochentoso, con el ya clásico sonido machacón de los 90's y una buena porción de progressive metal, no desentona hoy día.
En su momento editado por Metal Blade Records cosechó criticas dispares. Lo cierto es que la placa posee buenos momentos en los que los medios tiempos te permitirán hacer headbangin' sin miedo!
A que suenan? es bastante difícil emparentar su sonido hacia otros colegas, pero háganse una idea que tiene cosillas del primer Annihilator, y el tag "Technical Thrash Metal" es el que mejor le queda.
Canciones que coexisten más que bien dentro de la placa y dejan pocos momentos para relajarse (quizás te puedas dar un respiro solo en los primeros segundos del último tema "Far too long", pero hasta ahí nomas.
No es un álbum que suene conformista, mas bien todo lo contrario. Se nota que fue elaborado minuciosamente y buscando ir un poco "más allá".
Detalle aparte, la portada me recuerda al Vanity/Nemesis de Celtic Frost.

Uno de los temas de Manic Impressions está disponible para que lo escuchen en el primer programa de Kriteria Radio Show.

domingo, 22 de marzo de 2020

Búsqueda random de algo que no conozca

En tiempos de cuarentena obligatoria por el Coronavirus aquí en Argentina, y siendo las 16:32 hs de este Domingo, me presto a hacer una búsqueda al azar por Internet de 1 o 2 álbumes que jamás haya escuchado para descargar y ver que me depara en destino. Tengo miles de cds, pero ahora se me antoja escuchar algo en formato digital. Así que allá voy....
19:55 hs. Me decidí por descargar el único solista de Hugo Racca por un lado. Quién fuera bajista de la banda argentina Plus , luego de su disolución se puso a grabar lo que sería su debut solista "Vienen Por Vos" (1982), esta vez a cargo de la guitarra rítmica y voz.
Amó y amaré por siempre aquel proyecto Plus, y realmente este "Vienen por vos" esta muy a la altura. No es tan progresivo como aquella banda, es mas una especie de mezcla entre Rock y Folk.
La producción es media floja, pero se deja escuchar mas que bien. Me encanta como está mezclado el bajo de Julio Cesar Smith, bien al frente.
Super recomendable para los amantes del rock nacional de la época

Y como todo tiene que ver con todo, di también con Escarcha.
Los cuatro integrantes de Escarcha tocaban en grupos zonales hasta que decidieron unirse para hacer la música que a cada uno de ellos les gustaba: los mejores temas de los Beatles, The Who, Bee Gees, Hollies.
Naturalmente fueron emergiendo los temas propios, las tímidas composiciones iniciales. En sus recitales y actuaciones (casi siempre en Castelar) comenzaron a intercalar algunas de esas cosas surgidas de la elaboración grupal. En un momento allá por Diciembre de 1971 consiguieron compartir la cartelera del cine Gran Castelar con un grupo "grande" de Buenos Aires: Vox Dei. Esa actuación fue para ellos definitoria: inauguraron todo su nuevo repertorio y se lanzaron, seguros, a la conquista de una posición dentro de la escena nacional. No fue todo, alentados por el afortunado debut, los productores los contrataron para una segunda presentación en la zona. Esta vez con la Pesada del Rock and Roll. Cuarenta días después, sin haberse presentado jamás en la Capital, llegaron directamente al Festival BARock, realizado en los bosques de Palermo.
Ellos cuentan la experiencia: "Sinceramente nos teníamos mucha confianza a pesar de que teníamos esas veinte mil cabezas apuntando hacia cualquier movimiento nuestro. No estábamos nerviosos ni teníamos ninguna de esas cosas que ocurren cuando se tiene un compromiso muy grande: nos sentíamos realmente ansiosos por tocar, cuanto antes fuera mejor. Cuando hicimos el vals (el tema más conocido y característico del grupo) notamos que el público había cambiado su actitud indiferente del comienzo, al promediar el tema nos aplaudieron, eso fue para nosotros un sello, un aviso de que estábamos en el camino".
Escarcha - Simple (Microfon - 1972)
Ellos quieren aclarar una versión que circula en Buenos Aires que los da como los continuadores de la línea de Almendra, o ejecutores de un rock melódico y suave: "No es cierto —aclaran— nosotros creemos que estamos en una línea muy variada: hacemos baladas, temas de rock pesados, folk y blues. Lo que ocurre es que mucha gente nos identifica con el vals (su verdadero nombre es "Si dos más dos no pueden ser siete") que es un tema quizás dulce y tal vez por eso mucha gente lo relacione con "Muchacha", de Almendra o algo así". Como integrantes de una nueva generación de rockeros, Escarcha cree que los nuevos grupos tienen mucho que aportar siempre y cuando se les deje demostrar lo que pueden hacer, sobre todo el público que parece ser reacio a asistir a las presentaciones de los que no son demasiado conocidos. Particularmente ellos sienten una diferencia con la generación anterior: "Nuestro grupo al menos no cree en la zapada, en la improvisación, confiamos en la trasmisión de los sentimientos a través de los temas concretos. Lo que tenemos que hacer arriba de un escenario es entregar algo terminado.
Escarcha - Simple (Talent - 1973)
En sintesis, jamás pudieron despegar y solo dejaron plasmados dos simples. Uno de sus últimos recitales fue el 26 y 27 de diciembre de 1975 en el teatro Astral, de Capital Federal, luego de ello Sáez, Darias y Racca suman la voz de Saúl Blanch y forman "Plus".

Disfruten de las descargas virulentos lectores!, y recuerden... QUEDATE EN CASA!!

domingo, 8 de marzo de 2020

Ingo fly free


Hoy, 8 de Marzo de 2020 se cumplen 25 años de la trágica muerte de Ingo Schwichtenberg. Todavía recuerdo cuando me enteré de la noticia. Recuerdo por donde estaba exactamente caminando y vino un amigo a contarme, quedé petrificado!
Las muertes siempre son tristes, Ingo no fué mi amigo ni mucho menos, pero sentía y aún siento una especial empatía hacia su persona. Siempre pienso que lo llevó a cometer algo tan drástico, mas allá de su esquizofrenia y el no soportar haber sido echado de su amado Helloween... siempre hay algo mas.
Hoy, en conmemoración de su aniversario de muerte, es que la propia familia de Ingo lanzó una página web relacionada a su vida personal, y legado, con muchas cosas interesantes y que prometen.

Espero que la disfruten tanto como la estoy disfrutando yo. https://www.ingoschwichtenberg.com/

Por Ingo, por su legado... Ingo fly free!

domingo, 16 de febrero de 2020

All Ill ‎– Symbols Of Involution (1999)

Hoy navegando un poco por internet encontré este álbum de una banda Hardcore con condimentos Grindcore, que me recordó por momentos a los primeros Napalm Death (salvando las distancias). Parecen ser de Barcelona, y como me gustó mucho el álbum, y hace bastante que no comparto ninguna descarga... acá va! DWNLD

All Ill ‎– Symbols Of Involution (1999)


jueves, 13 de febrero de 2020

Vida y muerte de Cliff Burton

Hace unos meses decidí comprarme el libro "To live is to die - Vida y muerte de Cliff Burton" y de verdad que es muy interesante de leer, por mas que al igual que yo, conozcas como sucedieron los hechos de su paso por Metallica.
Narra de forma bastante entretenida sus comienzos con el bajo, un poco de historia de su anterior banda Trauma, y como dió con Metallica. Incluso ahonda un poco en su amistad con Jim Martin, quien fuera guitarrista de Faith no More.
El libro esta dividido en capítulos, titulados por fechas y por nombre de los álbumes editados.
Se hace un poco tedioso el tema cuando describen a Cliff muchas personalidades y desconocidos absolutos y el autor no resume en ningún momento, y cada 14 palabras podemos leer una y otra vez :-Cliff era un chico bastante introvertido y tranquilo, vestía siempre pantalones Oxford, tenía una personalidad aplastante en escena y bla bla bla.
Que esta Ok que se nombren esos atributos un par de veces, pero no era necesario escribir al pie de la letra los mismos comentarios que hacían todos los entrevistados.
Muy interesante resultará para aquellos que tengan una noción de teoría musical las partes donde se analizan las canciones. No desaprovechen esa lectura!

Me queda claro luego de culminar la lectura (que no me llevó mas de 2 días), que el espíritu de la música, el carisma en escena, y el poder de tomar decisiones varias... correspondía a Cliff. Cosa que ya sabía pero pude aseverarlo tangiblemente.
Metallica no hubiese sido Metallica sin Cliff, no hubiesen llegado a nada, en un principio la gente iba a verlo a el. El era lo único que interesaba arriba del escenario. El resto era decorado. James es un buen interprete de riffs, nada mas, Kirk no sobresale en guitarra y Lars... bueno. Lars hace lo que puede. Estas opiniones son opiniones propias y podrán no gustar, pero salvo que seas norcoreano... estamos en un país libre y puedo decir lo que me sale de las pelotas!.
Metallica llegó hasta donde llegó (27 de Septiembre de 1986) por las decisiones de Cliff, que quede claro, de ahí en adelante es pura inercia y otro tanto de maduración compositiva.

Si tienen la oportunidad lean este To live is to die, no se van a arrepentir!





viernes, 6 de diciembre de 2019

Pensamiento al pasar... y el "Nos vamos pero nos quedamos"

Un poco de quilombo se armó con esto de la noticia de que se esta preparando una super gira con Def Leppard, Poison y... Motley Crue.
El bardo principal se dió por el hecho de que Motley ya se había despedido de los escenarios con su The final tour que comenzó en Jul
io del año 2014 y finalizó en Diciembre de 2015, y resulta que ahora vuelven, por lo que The final tour no fué el tour final.
Vi una publicación en Facebook que compartía un link de no me acuerdo que músico que estaba indignado porque muchos fanáticos de los Crue estaban disgustados por esta reunión, y según este tipo, no pueden llamarse fanáticos esas personas, y tal afirmación me dejó pensando.
Entre otras cosas decía que uno en realidad tiene que sentirse dichoso de... ahora que recuerdo, creo que el que lo dijo fué alguno de los de Skid row.
En fin... retomo... que uno tenía que sentirse dichoso de poder ver nuevamente a la banda de sus amores, sin importar que se hayan despedido anteriormente.
Ok, sin pensar demasiado sobre el tema uno puede decir que tiene razón, pero momento! Quieto ahí!
La banda de mis amores es Iron Maiden, a distancias cósmicas de cualquier otra banda, y obviamente si transporto todo este tema a mi persona, debo linkearlos.
Supongamos que Maiden hacen una gira despedida por medio mundo, anunciando que se separan por X motivo y ese es su ultimo tour., yo los vería y me emocionaría por demás, ya que se que jamás podré volver a disfrutar tamaña banda en vivo. Porqué? porque todo lo que comienza, debe indiscutiblemente acabar en algún momento. Se anuncia como tal, y debe ser así.
Que pasa... luego de años Maiden vuelve, ... pero la puta no se habían separado? Y ahí está el problema señores, porque no puedo evitar sentirme engañado, y nada más ni nada menos que por la banda de mis amores (todo esto hipotético, porque es un supuesto). Y queda en segundo plano el tema de poder verlos nuevamente cuando creía que no, porque para mi... han perdido credibilidad. Y no podré evitar pensar que el tour final no fué otra cosa que para facturar más todavía con llenos totales de butacas.
Para mí es asi, y así me sentiría, y sería el primero en manifestar mi descontento con una reunión, porque aquella emoción del "último show" pasa a quedar como una ridiculez de la que he caído en la trampa.
Asi que entiendo el malestar de muchos fanáticos por la reunión de Motley, o de otras bandas. No olvidemos que el No more Tours de Ozzy se transformó en parte 1 y parte 2, y que Kiss se va a estar despidiendo de los escenarios hasta el 2021 (y que obvio ninguno de nosotros les cree) y que después de puteadas infinitas entre Ace y Peter con los otros dos boludos, siempre terminan juntándose a tocar en algún show.
Muerte a los que anuncian el último tour y después vuelven!!

lunes, 18 de noviembre de 2019

Todo tiene que ver con todo

Hace unos días, en el horario de descanso del trabajo salí a comer a la plaza de la esquina con dos compañeros, y entre las charlas sin sentido que surgen día a día comenté que Bruce Dickinson se estaba separando de la que fuera su mujer por muchos años, y que dividiría su fortuna de 60 millones de Libras esterlinas.
La charla se desvió para el lado de quién sería el músico con más plata. Luego de una rápida búsqueda por internet nos enteramos que Andrew Lloyd Webber es la personalidad de la música mas acaudalado. Desconozco si será verdad o no, y voy a buscarlo ahora, pero el tema es que se me vino a la cabeza este compositor, ya que amo su obra musical Evita. Quedé fascinado con ella cuando se estrenó aquí en Buenos Aires la película protagonizada por Madonna, que de hecho fuí a ver la al cine dos veces!
Pasaron los días y hoy navegando por YouTube dí con un Youtuber que analiza canciones y las "desmenuza" de forma espectacular.
Uno de sus videos estaba dedicado a Camilo Sesto y el tema Getsemaní que interpreta en la Opera Rock Jesucristo Superstar, en su versión en castellano, que dicha Ópera es de ...... Andrew Lloyd Webber. Y así di con Andrew nuevamente!
El análisis que se hizo de este tema cantado por Sesto me hizo descubrir la tremenda versatilidad de su voz, e indagando un poco mas por internet me entero de que antes de su estreno en Broadway y el West End, Jesucristo Superstar fue grabado en forma de álbum conceptual con Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena. En el disco también tomaron parte Mike d'Abo (líder de Manfred Mann) como Herodes y el cantante de glam rock Gary Glitter (acreditado como Paul Raven) en el papel de uno de los sacerdotes, además de una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos de rock.
La grabación salió a la venta en 1970 y consiguió llegar al primer puesto del Billboard en dos ocasiones. Las canciones "Superstar" (interpretada por Murray Head y The Trinidad Singers) y "I Don't Know How to Love Him" (interpretada por Yvonne Elliman) fueron publicadas como singles y se convirtieron en éxitos.
Todo tiene que ver con todo, Camilo Sesto y Ian Gillan, con Evita y mi horario de almuerzo!
Ahora mismo estoy escuchando lo grabado por Gillan y el resto, para luego pasar a escuchar la versión en español de Camilo Sesto.


sábado, 16 de noviembre de 2019

Abbath y el show que no fué


El pasado 13 de Noviembre Ababth se hacía presente en Buenos Aires en el marco de la presentación de su último trabajo "Outstrider".
El tema es que de por si todo arranco de mal en peor.
Todo se demoró mas de 2 horas. las bandas soporte tuvieron que acotar su show solo a unos cuantos minutos.
Parece que Don Abbath se estuvo peleando un rato largo con su segundo guitarrista tras bastidores, y tal es así que don segunda viola se fué encabronado al hotel y dijo :-Yo no toco nada!
Pero nada detiene a Don Abbath, y salió a escena sin su guitarrista. El tema es que estaba completamente borracho, y trato de tocar el primer tema "Count the dead" aproximadamente 4 veces, y en medio de cada intento tiraba la guitarra y se arrojaba al público, entre morisquetas y demás.
Conclusión: El show del noruego duro 2:25 minutos de reloj. No toco un solo tema completo y se bajo a llanto partido del escenario.
Yo no fui a verlo pero si hubiese pagado la entrada estaría sumamente molesto!
No hay duda que el tipo tiene problemas con el alcohol, y de hecho luego de este show truncado se retiro a su Noruega natal cancelando su tour Sudamericano.
Por un lado me da rabia la poca profesionalidad de Abbath, pero por otro no hay que desconocer el hecho de que es un alcoholico y necesita tratamiento, y su llanto (mas allá de estar mezclado con alcohol) no deja denotar arrepentimiento y tristeza por tan decadente comportamiento.

Ojalá que de en una anécdota y pueda recuperarse completamente. Siempre me cayo bien Abbath.

P.D.: Lo que tomaron en camarines fue Michel Torino (para quién no sepa es uno de los vinos mas baratos de la Argentina, y literalmente es lo más parecido a alcohol de quemar con gusto a uva).
Ahora... quién fué el hijo de puta que les compró ese vino??!!!

fotos: Andres Violante




miércoles, 6 de noviembre de 2019

El gran descubridor: Hoy "Stälker"


Surfeando por las profundas aguas de Spotify, mientras escuchaba el excelente disco de mis amigos Lies of Smiles fùe que me topè con los Stälker.
Directamente desde Nueva Zelanda nos ofrecen un speed metal puramente ochentoso, lo mires desde donde lo mires.
Comenzando con la portada (una mano de lo que parecería una bestia satánica, brotando directamente desde un pantano de lava y sosteniendo una espada al mejor estilo Excalibur). Hay algo mas "metal" que eso? si... el sonido de este "Shadow of the Sword"del año 2017 es exquisitamente almíbar para el oído metalero clásico.

La voz de Daif King es tan aguda como gloriosa, y lo que hace Chris Calavrias con la guitarra es preciso, potente y devastador!. Una catarata de riffs. Y Nick Oakes no se queda atrás con la batería.

Un debut que promete mucho más, y que de seguro no hay que perder de vista.
Amo estas bandas que traen lo mejor de los gloriosos años pasados del metal al día de hoy.
No podría recomendar un tema específico porque sería injusto con el resto de la placa, este "Shadow of the Sword" es para escuchar de principio a fin... varias veces.
Fácil de asimilar y complejo técnicamente hablando.
Ah... algo todavía más metalero? si... los títulos de los tracks! Basta con nombrar 3 de ellos te darás una idea de que va todo esto: "Total Annihilation", "Satanic Panic", "Master of Mayhem". Seguramente nombres poco craneados y carentes de novedad, pero efectivos para el amante del Heavy Metal!
Cover de Death del tema "Evil Dead" .

sábado, 2 de noviembre de 2019

El Beguine me transporta

Porque no todo es Rock en la vida, hoy escuche un álbum de Beguine, que me transporta! Para el que no sepa que es el Beguine, les paso a explicar brevemente.
El beguine es un ritmo y un baile, semejante a una rumba lenta, que fue popular en los años 1930. Es originario de las islas Guadalupe y Martinica. Es una fusión de ritmos locales, latinos y franceses y era tocado en lugares bailables. De allí se exportó a París.
El ritmo se popularizó mundialmente cuando Cole Porter escribió la canción Begin the Beguine. La canción fue incluida en el musical "Jubilee" (1935) de Porter. Este declaró que había escuchado el ritmo a una banda martiniquesa en un café-concert de París. Entonces bautizó el ritmo como una "rumba calipso", pero más tarde aseguró que se llamaba bel-air de la lune.

En 1938 Artie Shaw y su Orquesta alcanzaron el tercer puesto de popularidad con una versión orquestal en ritmo de swing. Entonces, MGM sacó la película musical "Broadway Melody of 1940" en que Fred Astaire y Eleanor Powell bailaban "Begin the beguine".
El segundo beguine más famoso es "Beneath The Southern Cross" escrito hacia 1952 por Richard Rodgers para la banda sonora la serie televisiva "Victory at Sea". Rogers y Oscar Hammerstein II utilizaron luego esta misma melodía de beguine para la canción "No Other Love" del musical "Me and Juliet".
Elvis Presley registró su propia canción en 1962 basada en la canción de Cole Porter "You'll Be Gone". En 1998 el título fue tomado para una película de romántica dirigida por Raymond DeFelitta que protagonizó Elijah Wood.

Pero mas allá de esto, mi fascinación por este ritmo no es solo que me pone de muy buen humor, sino que me transporta a aquellas islas de donde proviene, y que en algún momento de mi vida visitaré.

El Beguine es como esas músicas “mulatas” de América que mantuvieron comunicación constante con las africanas. Frecuentemente descrito como un calipso-rumba, surgió (como el calipso, la plena, los choros o la milonga) en la transición del siglo XIX al siglo XX y siguió una historia similar a la de estos géneros.
Las primeras grabaciones de beguine se hicieron en 1929 en París, y poco después este ritmo alcanzó una amplia difusión internacional con las big-bands de Nueva York

Lo que estuve escuchando fué el álbum Souvenir de la Martinique de Hurard Coppet, que por Dior, es dificilísimo encontrar info sobre este clarinetista!
Una belleza de principio a fin!
Si no conoces el Beguine te lo dejo en Spotify para que lo descubras.
Querés bajartelo? OK

sábado, 26 de octubre de 2019

Lo que estuve escuchando #1 (Parte 2)

Finalmente y luego de bastante tiempo, subí la segunda parte de "lo que estuve escuchando" a mi canal de Youtube.

A nadie que esté en su sano juicio le puede interesar que escucho o dejo de escuchar, lo se, pero como me gusta grabar cada tanto un resumen de las copias físicas que han sonado en casa... lo hago.

Primera parte aquí









lunes, 21 de octubre de 2019

Pensamiento al pasar... y esas bandas de las que uno se va olvidando


Muchas veces me pasa que hay bandas que escuche en su momento y pasados los años me olvidé completamente que existían o existieron, y hoy me paso con The Almighty.
Recuerdo haber escuchado de ellos en la tele, seguramente en el programa Power30 de Much Music o en el Headbanger ball de MTV a través de algún que otro video.
Hoy me reencontré con ellos por la aplicación Spotify, y se me vino a la cabeza que incluso los vi en vivo, teloneando a Megadeth aquí en Argentina en el año 1994, cuando la banda del colorado se presentaba por vez primera (si mal no recuerdo) en el pais, en el marco de la gira de Youthanasia.
De la presentaciòn de The Almighty recuerdo algunas canciones muy vagamente, y también la mala onda que tenía el bajista porque se le entrecortaba el sonido del bajo, incluso un par de veces amagó con revolearlo!
Lo que no tenía en los recuerdos es que tienen mucha influencia, y raíces punks. Acabo de escuchar el homónimo séptimo album editado en 2000 y tiene muy buen sonido!
A reencontrarnos con The Almighty!

jueves, 17 de octubre de 2019

50.000 almas para La Doncella!


El Sabado pasado fui a ver en vivo por (creo) décima vez a la banda de mis amores... Iron Maiden!
Tocaron en el estadio Velez Sarsfield y asistí con mi mujer y mi hermana. A mi mujer ya la había llevado conmigo en 2 oportunidades más y a mi hermana 1 vez más.
Porque? porque amo que la gente descubra lo que es un show de la doncella. Y que si bien no son fanáticas como yo, quiero que sientan como la potencia de lo que dan en escena retumba en el interior de cada uno.
Es que Maiden enamora, y verlos en vivo más aún.
Y me sigo sorprendiendo como se superan una y otra vez en cada tour, como suben de nivel constantemente.
La noche estaba que se caía el cielo, pero por suerte paró de llover unas horas antes de que los británicos pisaran el escenario.
La banda que abrió a las 18:45 fué la local Serpentor, sonido fuerte e interpretaciones prolijas, pero no fué algo que me partió el marulo. Siguieron a las 19:30 Hs The Raven Age, la banda del hijo de Steve Harris, George.
Ya los había visto otra vez y la verdad que son excelentes músicos, y los temas casi todos son geniales, pero bueno, mas allá de eso nunca los he escuchado, asi que en los próximos días voy a ver si me pongo con Spotify a eso.
Atrasados 20 minutos aprox. llegó Maiden y ya nada fué igual!
Una emoción escuchar "Where eagles dare" y "Flight of Icarus"! El clásico arranque de la ya mítica World slavery Tour 84/85 con el discurso de Churchill y "Aces High" te pone la piel de gallina!
Me canté, o mejor dicho grité como nunca antes lo había hecho en algún concierto, me quedé casi sin voz! Y en el final... con mi tema favorito de todos los tiempos "Run to the hills", no puede evitar que se me cayeran un par de lágrimas de la emoción!
Luces, fuego y música de alto nivel para la noche del Sábado 12 de Octubre del año 2019... otra fecha que quedó marcada en mi memoria.
Es que como dije hace unos renglones atrás... Maiden enamora!

Dios salve a la doncella!
LISTA DE TEMAS
1.- Aces High
2.- Where Eagles Dare
3.- 2 Minutes To Midnight
4.- The Clansman
5.- The Trooper
6.- Revelations
7.- For The Greater Good Of God
8.- The Wicker Man
9.- Sign Of The Cross
10.- Flight Of Icarus
11.- Fear Of The Dark
12.- The Number Of The Beast
13.- Iron Maiden

ENCORE:

14.- The Evil That Men Do
15.- Hallowed Be Thy Name
16.- Run To The Hills

Luego de aquí partían para Chile a hacer los últimos 2 shows del tour, y luego... a esperar un nuevo album!


viernes, 11 de octubre de 2019

Distinción de honor en Argentina para Iron Maiden!


Hoy Viernes 11 de Octubre se distinguió a Iron Maiden como visitantes ilustres de La República Argentina.
La ceremonia se realizo en el salón de los Pasos Perdidos del Congreso y fue la Honorable Cámara de Diputados de la Nación los encargados de esta distinción.
A dicha ceremonia asistieron (entre muchos "acomodados"), músicos de la talla de Vitico (Viticus / Riff), Eddie Walker (Lethal), Beto Vázquez (Nepal / Beto Vázquez Infinity) y varios otros. Del lado de los Iron Maiden solo Janick Gers, Nicko McBrian y Bruce Dickinson hicieron lo propio.
Palabras de Cesar Fuentes Rodriguez, Victoria Donda y finalmente Bruce.
Elogios varios de ambas partes y las fotos institucionales fueron la culminación de esta jornada corta pero a mi entender emotiva.

Ahora, las opiniones fueron diversas, y me ha tocado leer improperios varios de gente ligada al mundo de la música, tildando el evento como "vergonzoso", "patético", "desprolijo" y "lisa y llanamente una pelotudes".
Sinceramente yo celebro el que se le haya dado esta especie de reconocimiento a la banda de mis amores, mas allá de quién se lo haya otorgado, o de quién fué la idea.
Uno por ahi dijo que fué solo política (?). A ver, no me cae bien Victoria Donda, para nada. Es mas, me parece detestable!, pero flaco... solo política? Premiando a Maiden?  Hay que pensar un poquito antes de abrir la boca!
La mina esta es fanática de la banda desde hace mucho, y se dio el gusto. Punto.
Que la cámara de Diputados estos últimos años haya brillado por la ausencia de reuniones estamos de acuerdo, pero voy al hecho muchachos! Se les dió una linda distinción a los Maiden, el resto lo tendremos que arreglar los Argentinos!
Hay veces que no hay que darle mucha vuelta al tema!
Yo pasé desde mi adolescencia hasta el día de hoy con Iron Maiden, crecí, me enamoré, y me maravillé con su música, me acompañaron en cada momento de mi vida, y hoy realmente me emocioné al verlos ahí.
Rescato eso!
Mañana AL RECITAL en Velez!!!!!



sábado, 5 de octubre de 2019

Europe y Whitesnake en Buenos Aires 04/10/2019


Ayer asistí al concierto que brindaron los suecos Europe y los ingleses Whitesnake en el Estadio Hípico Argentino.
La primera vez que voy a ver un show a ese recinto, y la verdad que al comienzo pensé que no estaba tan bien organizado, ya que la fila para el sector campo era kilométrica y mientras la recorría hasta el final y ponerme en linea, jamás avanzó, y supuse que la espera sería infinita. Pero no, a los pocos minutos comenzó a moverse y pronto ya me encontraba en el interior. El lugar es chico, quizas un poco mas chico que el Luna Park para quién lo conozca. las plateas sin de poco asientos, pero en general bien.
Ambas bandas salieron super puntuales!
Europe me gustó hasta ahí, ni muy muy ni tan tan. Estuvieron prudentes y con un show a la altura. Quizás el punto bajo fué que falto potencia en la guitarra, que está a cargo de John Norum, pero no termina de llenar. Hacía falta una segunda guitarra como colchón. Aparte el señor tiene la misma onda en escena que un cajero de banco, pero bueno... son estilos. Joey Tempest bien, con la voz ajustada y en escena me gustó.

La lista de temas:
Walk the Earth
The Siege
Rock the Night
Scream Of Anger
Last Look at Eden
Sign of the Times
Ready or Not
War of Kings
Hole in My Pocket
Carrie
Nothin' to Ya
Superstitious
Cherokee
The Final Countdown


En el caso de Whitesnake desde que salieron la rompieron!. Me gustaron mucho. Super potentes y en sintonía.
La escena que tiene Joel Hoekstra es monumental, y Reb Beach la verdad no se queda atrás. Lo que me quedará grabado en la memoria por siempre, es que vi en vivo al mejor baterista de la historia del rock, Tommy Aldridge. Madre de dios, tipo grande pero que tiene la energía de un pibe de 20 años. Una bestia que no tiene pausa y machaca que mete miedo! Siempre los solos de batería me resultaron tediosos, pero el que metió Tommy ayer fué una calidad, soltura y potencia que estuvo fuera de este mundo, incluso lo remató con un solo sin palillos, a mano tendida. Totalmente de otro planeta.
De Coverdale no se puede decir nada, una persona que sabe como mover al público, la voz un poco gastada pero no defrauda nunca.
En síntesis un show potentísimo y a la altura de una banda de Rockstars que saben lo que hacen.

La lista de temas:
Bad Boys
Slide It In
Love Ain't No Stranger
Hey You (You Make Me Rock)
Slow an' Easy
Ain't No Love in the Heart of the City
Trouble Is Your Middle Name
Guitar Duel
Shut Up & Kiss Me
Drum Solo
Is This Love
Give Me All Your Love
Here I Go Again
Still of the Night
Burn

viernes, 16 de agosto de 2019

Pensamiento al pasar

Hoy Facebook me trajo este recuerdo que escribí hace un par de años, y lo copio aquí... para que no se pierda.

-:" Regularmente se me cruzan por la cabeza recuerdos de lo que era años atrás el escuchar música, el ir a lo de un amigo porque había conseguido tal o cual álbum para darle una escucha y de ser posible grabarlo en cassette, fotocopiar la tapita y anexar a la colección. Lo que era la búsqueda de los imposibles y la alegría de dar con alguna de esas reliquias. Comprar la revista Metal o la española Heavy Rock por nombrar alguna, para enterarse de los nuevos lanzamientos. Era mucho mas difícil que ahora y todo tenía su mérito. 
No reniego de la tecnología de hoy en día, la utilizo diariamente. Ahora se puede conseguir absolutamente todo con un solo click... Spotify, Blogspot, Torrent... Youtube, pero se perdió por completo ese valor agregado de la "busqueda y descubrimiento".
Por eso me resisto a dejar de comprar cds o vinilos, porque no hay como el sonido original, el arte de tapa, el librito con las letras y contemplar una linda colección cada tanto. No creo que haya mayor placer para el amante de la música que eso, y no hay internet que le gane!"

martes, 13 de agosto de 2019

Letras (Hoy - Burzum)


Burzum - Dunkelheit (1996)

When night falls
She cloaks the world
In impenetrable darkness
...
A chill rises
...
From the soil
And contaminates the air
...
Suddenly...
Life has new meaning
...
When night falls
She cloaks the world
In impenetrable darkness
A chill rises
From the soil
And contaminates the air
...
When night falls
She cloaks the world
In impenetrable darkness
A chill rises
From the soil
And contaminates the air
Suddenly...
Life has new meaning
...
Life has new meaning
...
Meaning

miércoles, 7 de agosto de 2019

Sangre, serpientes y guillotinas


La semana pasada terminé de leer el libro "Sangre, serpientes y guillotinas" que cuenta en resumen de poco mas de 200 paginas la historia de Alice Cooper.
La verdad que se hace muy fácil y entretenido de leer. Lo podes hacer de corrido o en caso de que quieras consultar algún álbum en particular, ya que hace una breve reseña de cada álbum desde "Pretties for you" hasta "Along came a spider".
El autor, Marc Gras (un español autor de varios ensayos sobre música), nos provee de una lectura rica en detalles, desde una introducción al mundo de Alice que abre con una narrativa de como nació el "Shock Rock", siguiendo por la infancia de Alice, sus problemas de alcoholismo, y unas reseñas muy interesantes de como paso de la gloria de álbumes como "School's out" y "Billion dollar babies", a la indiferencia de "Goes to hell", que desembocó en la primera mitad de los 80's con el fracaso de "Flush the fashion (1980)" y "Special forces" (1981). Luego llegó el resurgir a la gloria aprovechando la llegada del Hard Rock de los 90's con "Thrash" (1989) y Hey Stoopid" (1991).
El libro va concluyendo con un resumen de lo que fué de la vida de los músicos que acompañaron de una u otra forma al Sr Cooper, más su paso por España, y la incursión del músico en el cine.
En resumidas cuentas, si sos fanático no creo que te sirva mucho leerlo, ya que no encontraras nada nuevo. Pero si te gusta Alice Cooper sin ser un devoto seguidor, vale la pena que lo consigas y lo leas.


lunes, 5 de agosto de 2019

Me compré una Squier


Hace aproximadamente unas 2 semanas me convertí en el flamante dueño de una Fender Squier, pero antes que nada un poco de historia.

Squier es una marca derivada de la Fender Musical Instruments Company. Produce principalmente instrumentos musicales derivados de la línea de productos de Fender, solo que a precios más económicos.
Fender (llamado CBS Musical Instruments), adquirió en los años 50 en Estados Unidos una marca que fabricaba cuerdas, poniéndole precisamente el nombre Squier. El nombre se mantuvo desconocido durante muchos años.
A comienzos de los 80, ciertos problemas hicieron ver a Fender la necesidad de tener una segunda marca. Había muchas marcas que vendían a bajo precio, en EE.UU. no se podía producir a precios tan bajos, y compañías como Tokai Guitars estaba opacando en ventas de Fender en Europa.
Por lo tanto el nombre Squier fue reestructurado a comienzos de los 80, para distinguir una serie de producciones clásicas (Squier JV Series). Se hicieron reproducciones eslavas de los modelos clásicos de Fender de los años 50 y 60. Pronto salió otra serie (SQ series, llamada así por el prefijo del número de serie), esta vez con reproducciones de modelos clásicos de los 70.
Squier comenzó a producir sus propios modelos, aunque su producción principal sigue siendo de modelos de Fender, pero a valores reducidos para competir en el mercado sin bajar la calidad.

Cuando Squier fue lanzado en Europa, a comienzos de los 80, comenzó haciendo reproducciones de los modelos clásicos de Fender: Stratocaster (modelo ‘57 y ‘62), Precision Bass (modelo ‘57 y ‘62), Telecaster (modelo ‘52) y Jazz Bass (modelo ‘62). Se hacían en la fábrica Fujigen, en Japón, usando los mismos diseños de la fábrica de USA bajo parámetros estrictos de calidad. Estas primeras series de Squier son llamadas JV Series, llamadas así por el prefijo del número de serie estampado en el mástil. JV quiere decir Japanese Vintage.
Inicialmente estas guitarras tenían el logo de Fender en el headstock, pero pronto cambió por el logo de Squier, con un pequeño logo que decía by Fender, debajo del logo de Squier (y así se mantiene hasta hoy).
Squier continúa produciendo Stratocasters y Telecasters. Produce sus propios modelos, como Bullet, Affinity y Hello Kitty. En cuanto a bajos, Precision Bass, Jazz Bass, Bronco Bass, Hello Kitty Bass y MB Bass. También produce guitarras y bajos acústicos, e igual que Fender, Squier también produce sistemas de audio. Además, Squier comienza a producir modelos de mayor calidad, y a precios más altos, diferentes de los modelos de la línea de Fender.

Las Squier siempre se consideraron la opción ideal para cualquiera que quiera adentrarse en el mundo de la Guitarra o Bajo, pero desde hace un tiempo hasta hoy, esta segunda marca de Fender ha mejorado notablemente, y si bien puede adquirirse a valores un poco mas económicos que una Fender, es hoy por hoy un instrumento muy noble que no solo usan los principiantes.
Las principales diferencias radican en la clase de madera que se usa, los micrófonos y acabados varios.

Ahora bien, adquirí una Squier Stratocaster Vintage Modified 70, color crema, que combina la estética distintiva elegida por Fender en los años 70 para su instrumento de mayor rendimiento, con características modernas que potencian sus posibilidades en comodidad y ergonomía así como en sonido. Los detalles específicos de la época crean una estética de gran autenticidad y una sensación de familiaridad. Además las pastillas y la electrónica han sido actualizadas.
Viene con tres pastillas de bobina simple Duncan Designed™ SC-101, que suenan extremadamente bien, y fué la razón principal por la que me decidí por esta guitarra, ya que tengo un gran respeto por las pastillas Duncan!.
Posee el selector clásico de una Strato de cinco posiciones, puente con palanca de vibrato estilo vintage synchronized, clavijeros estilo vintage y el mástil de este modelo cuenta con un acabado tintado vintage brillante que le aporta una atractivo aspecto envejecido.
La pala de gran tamaño es un detalle de estilo, originalidad que data de finales de los años 60 hasta los años 70.
En una evocación de las Stratocaster de los años 50 y 60, este modelo cuenta con un tremolo de estilo vintage synchronized con una palanca de vibrato también de estilo vintage para un diseño y rendimiento auténticos.
El tipo de madera del cuerpo es de Tilo y el mástil esta hecho de Palo de Rosa.

Realmente las terminaciones son exquisitas y de gran nivel. Me resulta muy versátil y cómoda para tocar, y suena de maravilla.
El precio aquí en Argentina no es barato, pero se deja comprar. No es una guitarra solo para comenzar con el instrumento, sino para quedársela para siempre.
Sin ninguna duda se puede subir a un escenario con una Squier y caer bien parado, tengan presente eso!
Para finalizar, detallo la lista de modelos que posee Squier.


Lista de Modelos Squier
Modelos Originales
Bullet strat
Stagemaster
Squier '51
Sprit
Super-Sonic
JagMaster
Venus
Venus I
M-50
M-70
M-80
P Bass-Special V

Affinity Series
Fat Strat
Hello Kitty Stratocaster
Squier Strat (Rosewood/Maple)
Squier Tele
Squier Mini
Squier J Bass
Squier P Bass

Deluxe Series
Satin Trans Fat Stratocaster (HH - HSS)
Satin Trans Telecaster
Squier J Bass

Obey Graphics Series
OBEY Graphics Stratocaster HSS (Collage/Dissent)

OBEY Graphics Telecaster HSS (Collage/Dissent)

Standard Series
Standard Stratocasterss
Standard Telecaster
Standard P Bass
Standard J Bass

Deluxe Stratocaster FMT

California Series
California es a su vez una nueva serie producida por Squier en China e Indonesia desde mediados de la década del 2000, manteniendo los estándares de fabricación de su hermana mayor Fender. NO CONFUNDIR CON FENDER CALIFORNA HECHA EN USA

California Series Stratocaster
California Series Telecaster
California Series Fat Strat
California series jazz bass

California series precisión bass

Vintage Modified Series
Vintage Modified Strat
Vintage Modified Strat HSS
Vintage Modified Tele Custom
Vintage Modified Tele Custom II
Vintage Modified Tele SH
Vintage Modified Tele SSH
Vintage Modified Tele Thinline
Vintage Modified Jag HH

Vintage Modified Jazz Special & Standart

Classic Vibe Series
Desde 2008, Squier viene produciendo una nueva serie de guitarras basadas tanto en las vintage de las décadas de los 50 y 60 como en las Japanese Vintage de los 80, intentando recapturar ese aire clásico.
Los modelos reproducidos incluyen una Stratocaster de los 50, con mástil totalmente en arce, disponible en 3 colores (Blanco Olímpico, Sunburst de dos tonos y Azul Lake Placid), otra de los 60, en dos colores (Rojo Candy Apple y Sunburst 3 tonos) y con diapasón en palisandro, todas ellas con cuerpo de aliso y una Telecaster estilo 50's disponible en blanco y cuerpo en pino y sunburst de 3 tonos.